time out lx

Pactrick Wolf - Lupercalia ***

2011-08-31T17:39:00.004+01:00

Não é fácil cantar o amor e, talvez por isso, as melhores canções de amor falam da falta dele. Pactrick Wolf tinha cantado a falta de amor no seu último disco (The Bachelor), uma obra sombria. Passados dois anos, parece que está apaixonado e dá-lhe para fazer um disco exuberantemente optimista. “Exuberância” é aqui a palavra-chave. Não apenas na temática (as excelências e alegrias do amor em 11 variações), mas especialmente na abordagem. Este é um disco que vai buscar a batida ao “disco” e a fanfarra aos metais e tambores sinfónicos para, num registo a roçar o kitsch, proclamar as tais graças do amor. A voz projectada de Pactrick Wolf assenta que nem uma luva a tais intentos. As canções parecem ter sido pensadas para grandes coreografias (“House”) ou pistas de dança (“Time Of My Life”), mas é tal a densidade, um tanto monótona, da maioria, que chega a ser reconfortante ouvir qualquer coisa mais simples (“Armistice”).

Okkervil River - I Am Very Far ****

2011-08-31T17:39:00.001+01:00

Vocês nunca ouviram nada assim. Bom, há os Arcade Fire e os Decemberists e tal. Mas isto é outra coisa. Mesmo os Okkervil River nunca tinham feito nada assim, eram uma banda de country alternativo relativamente bem comportado. Mas Will Sheff, alma dos Okkervil, arregaçou as mangas, escreveu as canções, cantou, tocou uma dezena de instrumentos e produziu o disco. E que produção! Continuam a ouvir-se guitarras, mas os 50 minutos do disco são de uma rara densidade e complexidade instrumentais, a que não faltam secções de metais e cordas e um dos mais vibrantes exercícios de percussão da história do rock. E não é tudo isso demasiado pomposo, gongórico? Não, e é aí que está a beleza da coisa. Sheff conjuga toda essa tensão sonora com um lirismo poético e melódico, que dá origem a momentos de grande beleza, como “Hanging From a Hit”, “Your Past Life As a Blast”, “White Shadow Waltz”… e por aí fora.

A década Sinatra *****

2011-08-23T17:37:00.000+01:00

São mais de 200 canções, gravadas há quase 60 anos elançadas agora a preço reduzido. Manuel Morgado ouviu-as todas e ficouconvencido de que a perfeição existe

Lá fora são os anos 50 do pós-guerra, do baby boom, da América próspera. Tudoparece possível, até a felicidade, e há uns miúdos e alguns graúdos queinventam uma nova música a que chamam rock’n’roll.Sinatra, o dono da Voz que explodira na década anterior, é o contraste perfeitodesse glamour: está fora de moda, édespedido pela editora (Columbia), cambaleia entre o divórcio de Ava Gardner etentativas de suicídio. Como tantas vezes na História, está criado o clima parauma enorme explosão de talento, que marcará uma época, mas, acima de tudo,estabelecerá um paradigma.

Os discos que Frank Sinatra lançou na Capitol (1953-61) sãoabsolutamente históricos. Desde logo pela abordagem que faz a cada canção,tratando-as como se fossem, todas e cada uma, um caso muito pessoal. Sinatranão avia canções, vive-as e isso ouve-se. Históricos também porque,aproveitando o advento do LP, Sinatra inventa os discos conceptuais: as cançõessão escolhidas à volta de um conceito, seja o amor, as viagens, a dança, ou oamor, outra e mais uma vez. E, enfim, são discos históricos porque tudo neles éperfeição: a voz, os arranjos e a condução de orquestra (além de Billy May eGordon Jenkins, começa a colaboração com Nelson Riddle, que marca toda estaépoca), e as próprias composições, constituindo este repertório um autênticocancioneiro americano, a que não faltam Gershwin, Porter, Mercer, Arlen,Rodgers &Hart…

A colecção que agora chega a Portugal beneficia da cessaçãodos direitos autor, passados que foram 50 anos sobre as edições originais. Umaeditora de Barcelona juntou em 12 discos as gravações remasterizadas de 12 LP ealguns singles, a que não faltam as capas originais, numa operação low cost com matéria-prima de luxo.

Por ordem cronológica, SongsFor Young Lovers/Swing Easy! (1954) condensa a ideia que presidiu àsgravações da Capitol: discos de canções de amor, alternados com outros dedança, aqui juntos num mesmo CD. E é aqui que podemos ouvir gravações“definitivas” de “My Funny Valentine”, “I Get A Kick Out Of You”, ou “Just Oneof Those Things”.

O ano seguinte foi inteiramente dedicado ao amor, ou melhor,à falta dele. In The Wee Small Hourscria uma atmosfera íntima, propícia a exorcizar amores que se rompem e que setentam preservar com inviáveis promessas de amizade. “What Is This Thing Called Love”, pergunta ColePorter.

Songs For Swingin’ Lovers (56) é todo ele alegria (“You MakeMe Feel So Young”) e chega a garantir que, sim, o amor existe (“Love Is Here ToStay” e “I’ve Got You Under My Skin”). A orquestra brilha a grandealtura. E o ano não acaba sem que seja lançada a primeira colectânea de singles(This Is Sinatra), até porque A Voztinha voltado novamente aos tops (em 1958, surgirá o segundo volume).

No disco de 57, Sinatra surge na capa de olhos de fechados,a dar o mote para aquele que talvez seja o momento mais intimista da suacarreira, Close To You. São 12canções, delicadamente orquestradas, reflexivas, contra a corrente (estávamosno auge do rock’n’roll). E mais uma vez Sinatra canta, com um jeito quasecoloquial, como quem respira, as agruras do coração. Mas – esperem! – o anofecha com A Swingin’ Affair, ao qualbastaria ter “Night And Day” a abrir, mas tem muito mais.

Where Are You (amor), ComeFly With Me (viagens) no mesmo CD de ComeDance With Me! (dança) e ainda OnlyThe Lonely, Look To Your Heart e NoOne Cares (o amor, a falta dele) são os discos que se seguem e que revelamas tão variadas facetas de um artista em fase inspirada.

A Capitol editaria ainda mais três discos e Sinatra tem pelafrente uma carreira de sucesso na sua própria editora (Reprise), mas os anos 50ficarão como a sua década de ouro.

Eddie Vedder - Ukelele Songs **

2011-08-16T17:36:00.000+01:00

Sim, Eddie Vedder também tem sentimentos, e família e coisasassim, mortais. Não é apena aquela “estrela, sobre-humana, que se apresenta empalco à frente dos Pearl Jam. E nada melhor para o demonstrar, pensou ele, quepegar no ukelele e, sem nada na manga, cantar 16 canções de enfiada. Pensoumal. O ukelele, descendente do nosso cavaquinho, tem a sua graça, mas é muitolimitado. Mesmo num disco que totaliza apenas 34 minutos, ao fim de um certotempo já se sente uma espécie de… enjoo. E isto ressalvando que Eddie Vedderaté utiliza bem a sua voz de barítono para contrapor à monotonia doinstrumento. Passam por aqui canções próprias (até dos Pearl Jam – “Can’tKeep”) e alheias, dois convidados especiais (Glen Hansard e Chan Marsall/CatPower), e uma certa dose nostalgia, seja do surf, da natureza, dos espaçosabertos. Ficam duas ou três canções na memória (“Sleelping By Myself” e“Without You”) e pouco mais.

Jay-Jay Johanson - Spellbound ****

2011-08-16T17:35:00.000+01:00

Alegrai-vos, românticos depressivos. Jay-Jay Johanson estáde regresso e traz com ele mais uma mão cheia de canções belas e tristes,melodiosas que até doem. Há uns cinco anos que este sueco não dava sinais devida e, pelos vistos, fez-lhe bem o descanso. Nesta nova gravação, aselectrónicas foram remetidas para o subtexto, raramente rompendo o papel dequase decoração de fundo, dando todo o palco à voz, ao piano e às cordas. O tommantém-se. Johanson bebe imenso no jazz (“An Eternity”), mas também nos filmesde Hollywood (“Blind”), enfim, nos grandes cantores (“Dilemma”, o primeirosingle, tem a batida do histórico “Fever”…), sendo as quatro primeiras cançõesdo disco um autêntico tratado de bem compor e bem interpretar. Mas não há queter ilusões, que ninguém venha aqui à procura de salvação. A morte é o lema queatravessa o disco e a audição, exigente, ressente-se disso. Podem comprová-loao vivo, em Outubro, em Sintra.

Willie Nelson & Wynton Marsalis - Here We Go Again **

2011-05-18T00:47:00.000+01:00

Algumas almas sensíveis já nem podem com o nome de NorahJones. Pois em verdade vos digo que, não fosse a moça, e estemega-acontecimento teria ido pelo cano abaixo. Porque, na realidade, é a voz deNorah que, pontuando a maioria dos temas, acaba por lhes conferir um mínimo dehomogeneidade. E isto por um motivo muito simples: temos de um lado um oleadoquinteto de jazz, ao qual se junta a guitarra e o acompanhante de harmonia deWillie, e temos do outro lado uma voz que nunca foi grande coisa, mas que estápura e simplesmente estafada. Acontece que o repertório de Ray Charles exigeuma voz potente e isso é coisa que por aqui não há. O conjunto fica de talforma desequilibrado que até os solos orquestrados por Wynton chegam a maçar.Norah Jones, não tendo um vozeirão, confere aos momentos em que intervém aqueladoçura que lhe conhecemos… e as canções acabam por fazer sentido. Ouça-se, porexemplo, “Cryin’ Time”, e, no pólo oposto, “I Love You So Much”.

Robbie Robertson - How To Become Clairvoyant ***

2011-05-18T00:46:00.000+01:00

Ia começar por uma referência à capa, do género “eis umacandidata à pior capa do ano”, mas depois reparei que a foto é de AntonCorbijn, o grande Corbijn. Arrepiei caminho – que percebo eu, afinal, defotografia? Vamos, então, à música.

Robbie Robertson, para os mais esquecidos - o homem nãogravava há uma década e meia e, por isso, deve haver pelo menos uma geração quenunca o ouviu –, integrou uma banda mais ou menos mítica estranhamente chamadaThe Band, que gravou umas coisas com Dylan e outras sem Dylan, e que se tornoumundialmente famosa com o espectáculo de despedida, em formato de filme: “AÚltima Valsa” (Martin Scorcese).

A propósito, este disco tem, não uma valsa, mas um tango, “Tangofor Django”, algo experimental, não tanto quanto “Madame X”, de e por EricClapton, com “texturas sonoras” de Trent Reznor. O resto do disco é,essencialmente, blues. E muito Clapton (assina ou interpreta sete dos 12temas).

Robbie Robertson empreende uma viagem autobiográfica, aosanos 60, aos tempos da banda, aos seus guitarristas preferidos (“Axman”), mastambém introspectiva (daí o título do CD), que torna o disco num exercício como seu quê de romântico. As guitarras, é claro, são o fio condutor das históriase há-as, as guitarras, de todas as sonoridades possíveis, felizmente em dosesaceitáveis. As canções são encenadas, há aqui algo de cinematográfico (aactividade de Robbie nos últimos anos), o que lhes confere alguma diversidade,mas igualmente uma modernidade que chega a surpreender. Apesar disso, e tendoem conta os nomes envolvidos (já falei de Steve Winwood?) e a prolongadaausência, seria de esperar uma maior densidade. Cumpre, mas…

k.d. lang - Sing It Loud ****

2011-05-11T00:45:00.000+01:00

Há um fio condutor na obra de k.d. lang que este novo discovem novamente evidenciar. E esse fio condutor é, precisamente, a ausência de umfio condutor. Explicando melhor: ao fim de quase três décadas, é difícil, oumesmo impossível, detectar uma trajectória, preferencialmente de crescimento, nacarreira desta canadiana americanizada. Ao country genuíno inicial, seguiram-seaventuras pelo country alternativo e pelos campos mais amplos da pop. Essadiversidade, digamos, não é o problema, já que a exploração de territóriosnunca fez mal a ninguém. Problema, se quisermos mesmo problematizar, é aausência de um corpo, a dificuldade em encontrar um sentido na dezena e meia dediscos que já gravou.

E eis-nos, então, perante Sing It Loud, o disco com que k.d. lang parece querer abrir umanova frente. Trata-se da primeira gravação, em muitos anos, em que surgeacompanhada por uma banda própria, apelidada para o caso de Siss Boom Bang,nome fantástico. E isto é importante porque se trata, de facto, de um disco debanda, em que se ouve o conjunto e em que o conjunto tenta fazer sentido. Éclaro que o centro de tudo continua a ser a voz única e sensacional de k.d.lang. Ouça-se a sensualidade de “I Confess”, ou a elasticidade de “A Sleep WithNo Dreaming” e fica tudo dito ao fim das duas primeiras canções. Mas, já agora,a terceira (“The Water’s Edge”) também é muito boa e um excelente exemplo dasguitarras e do órgão que dominam todo o disco.

As canções são todas (co)assinadas pela cantora e até há umaoutra menos razoável (“Inglewood”, por exemplo), havendo apenas uma versão(“Heaven”, dos Talking Heads), que, sendo interessante, não é nada do outromundo. Para primeiro disco de uma nova fase, é prometedor. Falta perceber comocontinua.

Emmylou Harris - Hard Bargain ***

2011-05-04T00:44:00.000+01:00

Ah, essa tentação de regressar aos lugares onde fomosfelizes! Doce ilusão. Passam agora 38 anos que Gram Parsons, alquimista docountry-rock, se passou deste para outro mundo, deixando a jovem Emmylouafogada em desespero por um amor que tão pouco durou. Quatro décadas depois,esta “Lonely Girl”, como se define numa das canções, regressa a esse ano que adeu a conhecer ao mundo da música e dedica a Gram uma segunda canção (aprimeira fora “Boulder to Birmingham”, em 1975). “The Road”, que abre o disco, émais que uma canção de amor, é uma prova da devoção que perpassa um pouco portoda a obra de Emmylou Harris, muito especialmente pela fase pós-Wrecking Ball (1995), o disco que marcaa sua ruptura com Nashville, a opção pela country alternativa e também aassumpção enquanto autora.

Aqui chegados, é necessário fazer uma ou duas advertências.Emmylou Harris ficará para a história como uma das mais belas vozes da country,sendo a sua verdadeira especialidade a gravação de versões. Enquanto autora, seé verdade que esta fase mais recente comporta uma ou outra canção mais bemconseguida, o balanço global não é famoso.

Acontece que, neste disco, a voz de Emmylou, embora aindaencantatória, dá sinais de fragilidade, e acontece ainda que, só ouacompanhada, ela escreve 11 das 13 canções. E acontece ainda que a produçãopouco mais consegue que criar alguns ambientes atmosféricos para embrulhar avoz.

Sendo um disco agradável, em que tudo parece estar no sítio,não deixa de ser uma peça um tanto monótona, sem chama. É disso exemplo aevocação da amiga Kate McGarrigle (“Darlin’ Kate”), que certamente seráautêntica, sentida, mas que é também confrangedoramente banal. O melhorzinhoainda acaba por ser o tema que dá título ao disco, mas esse é assinado por… RonSexsmith. Lá está, as versões!

Lisa Ekdahl - At the Olympia ***

2011-04-27T00:44:00.000+01:00

Esqueçam o Olympia. Nos dias que correm, qualquer um láchega. Nesta edição, a parte mais valiosa é o DVD, todo filmado a preto ebranco, em que há, é verdade, Paris, mas acima de tudo os ensaios, os encontros,as canções, no conforto da casa de Lisa, entre amigos, algures na Suécia natal.É claro – não sejamos ingénuos – nada disto é espontâneo. Afinal de contas,meteram lá em casa uma equipa de televisão. Mesmo assim, há um doce aroma aimproviso, ou, se quiserem, a reinvenção, em canções como “The World KeepsTurning” ou “Sing” que suplanta o tal espectáculo do Olympia. Mas, já que odisco se chama “At The Olympia”, convém referir que, além de algumas canções noDVD, temos direito a um CD áudio todo ele made in Paris. Nada que nãoconheçamos – Lisa já passou mais que uma vez por cá -, ou seja, aquele jazzmuito ligeiro, bossa à mistura, e aquele fio de voz que limpa as canções deCole Porter de qualquer traço de Sinatra.

The Unthanks - Last ****

2011-04-27T00:43:00.000+01:00

A melancolia como forma de arte. Êxtase para os adeptos dascoisas tântricas, um desespero para o resto dos mortais. Há oito anos e quatrodiscos que as manas Unthanks se dedicam à obsessiva tarefa de espalhar atristeza pela face da Terra. As canções, muitas delas tradicionais, outras deautores mais ou menos famosos, e ainda outra originais, são submetidas a umeficaz processo de desaceleração rítmica, embrulhadas em esparsas orquestraçõese depois passadas pelas vozes encantatórias de Rachel e Becky, quais sereias dafolk britânica, atraindo-nos para abismos imensos.

Neste Last, otrabalho de orquestração é particularmente meticuloso, por exemplotransfigurando “Starless” (dos King Crimson) numa canção de beleza sufocante.Já “No One Knows I’m Gone” (de Tom Waits) resulta relativamente banal. “Closethe Coalhouse Door” entra por caminhos complicados, tornando talvez demasiado próximo o drama dosmineiros. Não é para todos.

Jessica Lea Mayfield - Tell Me ****

2011-04-13T00:42:00.000+01:00

Um disco complexo. Talvez assuste. Mas muito sedutor, e issomuda tudo. Aos 21 anos e ao segundo disco, Jessica Lea Mayfield revela umapoética experiente, capaz de lidar com os mais tortuosos sentimentos. Embaladospela fragilidade preguiçosa da voz, somos amiúde atraídos para autênticasarmadilhas de sedução, às quais, sim, nem falta alguma evidente carnalidade. Eé preciso frisar esse primado do texto, para que não sejamos (dis)traídos pelo autêntico caleidoscópio em que oprodutor Dan Auerbach (dos Black Keys) transformou este exercício,surpreendentemente, sem pôr em perigo o conjunto. E é assim que viajamos pelomais puro pop (“Blue Skies Again”), a electrónica pouco sofisticada (“GrownMan”), ou momentos de grande intensidade, como “Run Myself Into The Ground”,passando pela revisitação da country (“Sometimes At Night”). As guitarras, umtanto desgrenhadas, a par da voz, claro, acabam por ser a corrente que dácoerência ao conjunto.

Lucinda Williams - Blessed ****

2011-03-30T00:41:00.000+01:00

Canções de entrega e abandono, de preferência em registo debalada. Com voz quase balbuciada, lânguida, ora sofrida, ora insinuante. E háuns anos que Lucinda não ia tão fundo, na entrega absoluta, ou da dor da ausência.Neste disco, há dois amigos que partem, talvez para a órbita da terra, talvez acaminho do sol, como ela canta em “Copenhagen”, ou em “Seeing Black”, dedicadaa Vic Chestnutt e com Elvis Costello na guitarra. E há o outro lado da vida, oamor incondicional (“Born To Be Loved”), encantatório (“Kiss Like Your Kiss”),e incondicional outra vez (“I Don’t Know How You’re Livin’”). Talvez devido àprodução, extremamente cuidada, mas seguramente também graças à composição,este é um dos melhores discos de Lucinda Williams e marca um certo regresso àsorigens, do blues e do country sofisticados, onde nunca falta pelo menos umaguitarra, de preferência eléctrica e agreste.

Luísa Sobral - The Cherry On My Cake ****

2011-03-23T23:40:00.000Z

Norah Jones e Regina Spektor. Pronto, já está. Mandam asregras que cada cantor(a) novo(a) deve ser rotulado(a) com as suas influências.Diz que facilita a orientação do consumidor… Luísa Sobral tem, de facto, umestilo que faz lembrar o pop-jazz da primeira e a criatividade da segunda. Mas– que Diabo! - das 13 canções deste disco só não escreveu uma (“Saiu Para aRua”, de Rui Veloso, em versão peculiar) e, se há coisa que a estreia demonstra,é uma compositora e cantora com asas para ir bem mais longe. Aos 16, foi aosÍdolos, depois viajou para os EUA, onde aprendeu música a nível universitário eactuou, entre Boston e Nova Iorque. No regresso à pátria, aos 23, lança umdisco, entre o pop e o jazz, em inglês e português (menos deste, mas mesmoassim com uma das melhores canções, “O Engraxador”). E o disco está a seracompanhado por uma boa campanha de promoção. Tudo muito profissional, raro porcá. Tem pernas para andar.

Drive-By Truckers - Go-Go Boots ***

2011-03-23T23:39:00.000Z

Os Drive-By Truckers produzem que se fartam. No ano passado,foram para estúdio e gravaram tanto, que acabaram por fazer dois discos (parajá…). The Big To-Do (2010) ficou comos temas mais ao estilo da banda: três guitarras, sempre a abrir, nada do outromundo. Este Go-Go Boots é maistemperado. Mantém-se, obviamente, o pano de fundo sulista, agreste, mas asguitarras eléctricas cedem a vez a uma ou outra acústica e o ritmo desaceleraclaramente. Aqui, pisamos o solo das baladas, de raiz soul, blues, country…Duas belas canções de Eddie Hinton (um pequeno mito dos estúdios, já falecido)– “Everybody Needs Love” e “Where’s Eddie” dão o tom, mas todo o disco decorrenuma toada calma, deixando respirar as histórias de gente comum que são outradas marcas do grupo. Do lado dos originais, ressaltam “Dancin’ Ricky” e “Ray’sAutomatic Weapon”, mais dois personagens bem construídos. Um disco que merece,no mínimo, uma espreitadela.

Katie Melua

2011-03-16T23:39:00.000Z

Katie Melua é uma rapariga confiável. E cabe a cada um fazero julgamento, ou gosta assim mesmo, ou sabe-lhe a pouco. Os portugueses parecemfiliar-se no primeiro grupo, se tivermos em conta que Katie é relativamentepopular cá pelo burgo. Confiável porque, não sendo propriamente uma autora eintérprete de primeira grandeza, cumpre mais que os mínimos e não costumadesiludir.

São assim os seus discos: agradáveis, nunca demasiadosurpreendentes, mas também nunca abaixo da linha de água. Por cá, o sucessodeu-se ao segundo e terceiro disco, Pieceby Piece (2005) e Pictures(2007), sendo que o mais recente, Horses(2010), talvez só agora, com os concertos de Lisboa e do Porto, saia doarmário.

Apoiada pelo produtor William Orbit (o mago da fase maiselectrónica de Madonna), Katie tenta, em Horses,alargar horizontes para lá da imagem folke jazzy que marcou os primeiros anosde carreira. Está agora mais atmosférica, nuns casos, mais opulenta, noutros.

Obviamente, são coisas que casam, o jazz e o folk, com aelectrónica e não virá mal ao mundo se, na passagem por Portugal, alguns dosclássicos (“The Closest Thing To Crazy” ou “Nine Million Bicycles” surgirem comroupagens diferentes. Até porque, ao vivo, Katie costuma imprimir uma grandecarga dramática, por vezes quase operática, a cada interpretação, fazendonormalmente esquecer o original. É isso que torna cada espectáculo de KatieMelua apetecível, não apenas para os fãs, mas igualmente para um público maisvasto. Aquele a quem bastam artistas confiáveis, é claro.

Pearl Jam - Live On Ten Legs ****

2011-03-02T23:38:00.000Z

Na última década, os Pearl Jam lançaram 72 discos duplos comcada uma das suas actuações ao vivo. Uma batalha contra a pirataria, queproporcionou a cada fã uma espécie de souvenirpersonalizado. Esse gesto resulta, porém, de uma constatação óbvia – é aovivo que a banda dá o seu melhor e as versões de concerto são normalmente maisinteressantes que as de estúdio.

Este On Ten Legs éuma espécie de Best Of desses 72discos, já que reúne 18 gravações efectuadas em vários espectáculos, entre 2003e 2010. E é também demonstrativo da enorme energia colocada em cada canção,seja nos permanentes riffs das guitarras, seja na voz (es)forçada de EddieVedder. Banda poderosa, esta.

Estas 18 canções abarcam toda a carreira dos Pearl Jam, comespecial incidência no primeiro e marcante Ten(“Jeremy”, “Alive”, “Porch”), mas chegam até ao recente Backspacer (2009). À laia de bónus, surgem ainda “Public Image”(dos PIL) e “Arms Aloft” (de Joe Strummer).

Adele - 21 ****

2011-02-23T23:37:00.000Z

Então a Amy Winehouse nunca mais tem disco novo? Bom, issoagora não interessa nada, até porque não é dela que vamos falar. A Amy só vem àmemória porque Adele – as coisas que os magos do marketing inventam – foiconsiderada a nova Amy, quando apareceu, vai para três anos. Na verdade, àsemelhança de outras britânicas, como Duffy, também Adele é uma espécie de“filha” comercial de Amy, especialmente pela exploração do filão dorevivalismo.

Mas a verdade é que – ah, ah – Amy não tem disco novo eAdele tem. O primeiro chamava-se 19 erecebeu uns Grammys. Este chama-se 21(que original…) e, se não ganhar prémios, vai pelo menos engrossarviolentamente a conta bancária da autora. Adivinham-se sucessos atrás de sucessos com várias das canções aquipresentes.

Este disco consagra uma autora muito acima da média e umaintérprete peculiar. A voz de Adele é bonita, mas tem vulnerabilidades, que elaconsegue valorizar, encaixando-as no fraseado, transformando nota falsas emestilo.

Há aqui revivalismo em doses consideráveis – o tema deabertura e primeiro single, “Rolling In The Deep” é uma explosão de disco egospel – mas há, acima de tudo, um classicismo feito de doses equilibradas deelegância e emoção. O amor – melhor, o desamor, as separações – são amatéria-prima destas canções, com “Someone Like You” (piano e voz, apenas) arevelar-se desde já como um dos clássicos nessa matéria.

A produção, por onde anda Rick Rubin – há em todo o discoapontamentos americanos, que fazem antever uma aposta comercial forte no outrolado do Atlântico -, é toda conduzida para deixar fluir a voz, não sedispensando, no entanto, de uns coros pujantes e de alguns momentos de grandebeleza, seja apenas no piano, seja em curtos trechos de cordas.

Feist - Look At What The Light Did Now (extras **)

2011-01-19T23:36:00.000Z

Está tudo ao contrário. Neste pacote, chamemos-lhe assim,deve-se começar pelo fim, pelo CD áudio. É, de longe, o pedaço maisinteressante desta edição - metade preenchido com actuações de Feist ao vivo,metade com improvisos de Chilly Gonzales, ao piano, sobre os temas originais deThe Reminder, o CD de 2007 que estána origem de tudo isto.

Apesar de ser apresentado com a peça central, o documentárioLook At What The Light Did Now é uma peça relativamente desinteressante. São 80minutos de filmagens de bastidores, de entrevistas e de excertos deespectáculos ao vivo, tudo filmado num registo assumidamente lo-fi. A ideia éencenar a criação, gravação e apresentação ao vivo de The Reminder, o maior sucesso da canadiana Feist até à data. Mas,na verdade, não há muito que contar para lá de umas banalidades que, emcircunstâncias normais, poderiam ser o extra de um DVD, mas nunca o seucoração.

A grande valia desta edição está, especialmente, no CDáudio, em que Feist interpreta com uma particular delicadeza canções como “SoSorry” ou “Where Can I Go Without You?”, ou, num formato mais pop, “SecretHeart”. Em qualquer dos casos, versões bem mais quentes e íntimas que as deestúdio.

Os próprios extras do DVD acabam por ter mais pólos deinteresse que a peça central. Incluem, por exemplo, duas curtas metragensconstruídas a partir de canções de Feist (“The Water” e “Departures”), em quehá pelo menos a tentativa de construir uma narrativa.

E há ainda algumas actuações ao vivo, embora padeçam damesma pobreza visual do documentário central, e os clipes de maior sucesso(“1234” e “My Moon My Man”, por exemplo) de TheReminder.

São, enfim, duas ou três horas literalmente bem embaladas,para alegria de fãs e coleccionadores.

Regina Spektor - Live in London ****

2011-01-12T23:35:00.000Z

Há, é certo, muita tecnologia envolvida. Mas a essência estálá. E o que mais espanta é isso mesmo – como consegue alguém encher um palco,uma sala, com uma voz, com todas as vibrações e subtilezas de uma voz. A voz deRegina Spektor merece toda a tecnologia do mundo, tal é o cuidado posto na suamodulação, os trinados, os sussurros, as explosões, a alegria de cantar. A vozestá para Regina como o corpo e os artifícios cénicos estão para as beyoncés eas gagás – é ela, a voz, que enche o palco, é dela que emana toda aespectacularidade. Percebe-se isso ouvindo o CD, mas tudo se torna muito maisevidente quando se assiste ao registo vídeo em DVD, todo ele construído à voltados grandes planos dos lábios de Regina. Por mais que o corpo cresça e sebalanceie ao piano, é na voz, nos lábios, que tudo se concentra. É aí quereside a coreografia essencial desta música.

O pacote inclui os dois suportes (CD e DVD) resultantes deuma actuação, em Dezembro de 2009, no Hammersmith Apollo, de Londres. Ascanções são mais ou menos as mesmas (especial incidência na última gravação emestúdio, Far, de 2009), embora oalinhamento não seja idêntico. No DVD, intercalaram as canções com cenas debastidores e da digressão, uma opção discutível, na medida em que terá sidosacrificada a relação entre a artista e o público.

Os fãs de Regina encontram aqui canções raras, como “Love,You’re A Whore”, os simples mortais têm aqui um excelente “Regina paraprincipiantes”, uma colectânea do melhor dos seus três discos, interpretadocomo se de uma gravação de estúdio se tratasse. E nunca será demais salientarque tudo isto é conseguido apenas com um piano (às vezes, uma guitarra), umquarteto de cordas e uma bateria. E, claro, a voz.

Norah Jone - Featuring ***

2010-12-08T23:34:00.000Z

Quem quer cantar com a Norah que canta tão bem e é tãobonitinha? Todos. Até Ray Charles, que foi uma das últimas coisas que fez antesde morrer, em 2004.

Este disco reúne 18 canções, editadas entre 2001 e 2010, eacaba por ser uma colecção algo decepcionante. Esperar-se-ia que de um talentoexcepcional, como o de Norah, acompanhado de um leque de famosos ou nem tanto,saísse um disco de excepção. Não é o caso. A generalidade das canções viaja àboleia da voz quase encantatória de Norah Jones, no seu registo soft jazz, e abstém-se de arriscar. Émuito agradável ouvir os Belle and Sabastian, até porque a canção é fabulosa, areinterpretação de “Court & Spark” (Joni Mitchell) na companhia de HerbieHancock é muito boa, e há ainda mais um punhado de coisas interessantes. Mas amaioria das versões fica-se pela mediania, ou pior ainda (Willie Nelson, DollyParton). Norah Jones merece e é capaz de melhor.

Divine Comedy

2010-11-24T23:32:00.000Z

Um dos grandes encantos dos Divine Comedy é o casamentoperfeito, ora dramático, ora simplesmente lírico, entre os arranjos de cordas ea voz bela e grave de Neil Hannon.

Ora não é nada disso que vamos ter nas próximasapresentações do senhor Divine Comedy em Portugal. Hannon viaja acompanhadoapenas de piano e guitarra e é assim que vai subir ao palco. Perde-se agrandiosidade do som dos Divine Comedy, o seu traço barroco, e ficamos apenascom as canções.

E aqui entra outro dos grandes encantos dos Divine Comedy –as canções. Neil Hannon é um dos melhores autores da década de 90, propondo-nosum raro equilíbrio do humor com a ternura, das reflexões melancólicas com acrítica social.

Isso mesmo é audível no disco com que recentemente quebrouum silêncio de quatro anos, o qual já tinha sido antecedido de silêncio deigual magnitude. Isto tudo porque Hannon se tornou um homem de família e tambémporque, confessa, não tem muita paciência para as despesas da fama. Bang GoesThe Knighthood é um disco com uma canção sobre a crise financeira internacional(“The Complete Banker”), mas também com temas tão reveladores como “When a ManCries”.

Ao piano ou à guitarra, Hannon terá, obviamente, queregressar ao clássicos dos Divine Comedy, por exemplo, “The National Express”,”Our Mutual Friend”, ou “Something For The Weekend”. E talvez cante, se lhepedirem, uma canção de Brel, Brassens ou Gainsbourg, daquelas que gravou aovivo para uma edição especial de “Bang Goes The Knighthood”.

Nicotine’s Orchestra - Ghosts and Spirits ****

2010-11-24T23:31:00.000Z

Há muito que o Barreiro deixou de ser a cidadepós-industrial deprimida e passou a integrar uma América imprecisa, talvez noSul, numa época também ela indefinida. Nomes como Nick Nicotine, músico,produtor, editor e organizador de festivais, colocaram a cidade num roteiro dorock nacional que vive à margem da rádio e de outros circuitos de divulgação.

Este disco, o segundo da Nicotine’s Orchestra, é uma boaoportunidade para a rádio se redimir. Muitas das canções que por aqui se ouvempoderiam ter sido escritas na tal América e até figurar em antologias do rockrude, herdeiro da soul e do blues (“Rosario”), tipo George Thorogood (“Love AtFirst Sniff”), topam? Ou, se preferirem, filhas do cruzamento das bandassonoras de Tarantino (“Help Me”) e David Lynch (“Mighty River”), que opsicadelismo também lhes assenta muito bem.

Um disco, já perceberam, cruzamento de muitos e bonsimaginários.

Márcia - Dá ****

2010-11-10T23:31:00.000Z

As frases feitas existem para serem usadas. Eis então:primeiro estranha-se, depois entranha-se. A canção inicial causa uma sensaçãoesquisita: a voz cai para o sopinha de massa, as sílabas, ora se atropelam,ora, comidas, desaparecem. Uma contrariedade.

A cada canção, habituamo-nos à ideia. Percebemos que a vozfrágil foi incorporada no estilo e o único (?) lamento é nem sempre percebermoso que canta Márcia. Até porque pressentimos poemas lindos.

O resto é muito bom. Especialmente, o trabalho deourivesaria com que cada canção é vestida, longe da voz/guitarra do EP deestreia (2009). Ou não estivessem na produção e em colaborações diversas algunsdos nomes de relevo da novíssima música portuguesa (Real Combo, WalterBenjamin, B. Fachada…).

O resultado é um trabalho de grande sensibilidade, do qual,no entanto, é necessário aprender a gostar. Chamar-lhe a Carla Bruni portuguesaé redutor, mas ajuda a situar a ideia.

Chatham County Line - Wildwood ****

2010-10-13T00:30:00.000+01:00

Há discos que pedem de nós mais do que lhes podemos dar.Este talvez seja um deles. Neste cantinho da Europa, há lá paciência paradarmos atenção a quatro maduros da Carolina do Norte, tão taradinhos por bluegrass que só ao quinto discojuntaram uma tímida bateria e um discreto piano à plêiade de instrumentosacústicos de que se rodeiam?

Pois é. Mas fazemos mal. Sai por isso uma proposta: percaquatro minutos da sua vida e ouça com atenção uma destas canções. Pode ser, porexemplo, “Alone In New York”. Ouve o extraordinário trabalho instrumental? E asharmonias vocais? E a história, ela própria? E no género balada linda que sefarta há ainda “Crop Comes In”, talvez a melhor canção do disco. Aoscoleccionadores de canções peculiares sugere-se “Ringing In My Ears”, em quepoderão ouvir, num ambiente a atirar para o blues, excertos de canções de PaulSimon, Elvis, George Harrison, Willie Nelson…

Esperanza Spalding - Chamber Music Society ****

2010-10-06T00:29:00.000+01:00

Eis um caso sério. Esperanza Spalding atingiu uma talnotoriedade comercial e crítica com o registo em nome próprio (2008), que setemia o pior. Que não conseguisse fazer melhor.

É claro que menosprezamos muitas vezes as evidências –estamos perante um autêntico prodígio nos instrumentos (baixo), na voz, nacomposição, na produção. E isto aos 25 anos.

A base de trabalho é o jazz, de largos espaços, como convémao baixo. A voz evolui por entre os instrumentos, ora de forma aveludada(“Little Fly”), ora nos limites do improviso em registo scat (“Chacarera”).

Merecem menção especial duas colaborações de peso. MiltonNascimento espraia-se no seu belíssimo “Apple Blossom”e Gretchen Parlatodesenvolve um espantoso diálogo vocal com Esperanza, acompanhado apenas pelobaixo, em “Inútil Paisagem”, de Jobim.

Há ainda uma versão intensa de “Wild Is The Wind” e, no ladodos originais, “Winter Sun” é forte candidata à peça de jazz perfeita.

Hindi Zahra - Handmade ***

2010-09-29T00:28:00.000+01:00

A Patti Smith do Norte de África. É assim que Hindi Zahraestá a ser promovida em todo o mundo (vem a Sintra dia 17). Trata-se,obviamente, de um daqueles equívocos de se lhe tirar o chapéu. A ideia foi deum crítico do Guardian, que assistiua um espectáculo há uns meses atrás. Agora, ouvido o primeiro disco, fica-secom uma certeza – um dos dois estava com uma pedrada monumental.

Hindi Zahra poderia ser uma daquelas miúdas dos NouvelleVague que enveredam por uma carreira a solo. Canções lânguidas, com um swing tipo lounge, neste caso ornamentadas de especiarias árabes.

Nascida em Marrocos e criada entre Paris e Londres, Hindiexplora ao máximo o filão: há traços de chanson(“Beautiful Tango”), de blues (“At The Same Time”), de música berbere(“Ousoul”) e até, porque não?, de flamenco ou até de bossa nova. E há cançõescomo “Fascination” que podem fazer o seu caminho e vencer o desafio daintemporalidade.

Junip - Fields ***

2010-09-29T00:27:00.000+01:00

Tudo resumido é assim: Junip é José González acompanhado deteclas e bateria. Sim, a criação sai ao criador, mas não é exactamente a mesmacoisa. E, sim, este disco pode ser um tanto aborrecido para quem não estiver naonda - uma espécie de transgénico, resultante do cruzamento do folk com opsicadelismo, numa versão minimal repetitiva.

José González – e agora convém lembrar que o cavalheiro,embora não pareça, é sueco, derivando o nome dos progenitores argentinos –granjeou fama e proveito mundial a partir de 2003, quando lançou Veneer, uma colecção de canções acústicas,servidas por guitarra e uma voz encantatória e ligeiramente monocórdica. Porartes da indústria musical, as suas canções foram parar a séries de televisãoamericanas e José virou fenómeno de culto, estado em que se encontrava em 2007,quando lançou o segundo disco, In OurNature.

Os Junip, que juntam González às teclas de Tobias Winterkorne à bateria de Elias Araya, já existiam antes do sucesso de Veneer, mas foram sendo relegados parasegundo plano. Este Fields é, pois,um disco de gestação lenta.

As canções que aqui podemos ouvir não são muito diferentesdaquelas que González gravou a solo. E aqui as opiniões podem dividir-se: osornamentos instrumentais favorecem, ou não, as composições originais? Se hácasos em que claramente se fica a ganhar (“Howl”, uma bela canção, de ritmosuavemente afro-latino), noutros o psicadelismo insistente e repetitivo torna aaudição uma experiência algo desinteressante (por exemplo em “Rope &Summit”, estranhamente escolhida para primeiro single promocional). Ou seja, osinstrumentos oram entram de mansinho, ora se impõem a tudo e todos, havendocasos em que tudo isso se passa na mesma canção (“Tide”). Em suma, um disco quesó convencerá os convencidos.

Lloyd Cole - Broken Record ****

2010-09-22T00:26:00.000+01:00

Que fazer com um fulano que começa um disco com umadeclaração destas: “Não que me reste alguma dignidade”? O melhor será fingirque o levamos a sério. Afinal de contas, há um quarto de século que lhe conhecemosa queda para fazer da melancolia uma espécie de euforia. Descodificando: poucosconseguem conjugar, com esta elegância, “pain” (dor) com “gain” (ganho).

Melhor que as palavras, BrokenRecord demonstra essa toada fatalista que dá vontade de cantarolar umsonoro “la-ra-la” (a sério, há disso por aqui). Depois de quase uma década emque lançou discos caseiros, gravados a solo, em tom menor, Lloyd Cole gravafinalmente 11 canções que, pela vivacidade, ressuscitam as boas memórias dosCommotions.

Não foi fácil, esta gravação. Afastado da ribalta (Portugalé dos raros países em que alcança um razoável sucesso), Lloyd precisou derecorrer a mil fãs, que entraram com 35 euros cada, destinados a pagar osmúsicos, recebendo em troca uma edição especial do CD empacotada pelo próprio.

O naipe de músicos inclui Blair Cowan, dos Commotions, eJoan Wasser (Joan As Policewoman), e a produção, com recurso a pedal steel guitar, banjos e cordas,remete mais para a América do que para a britishpop a que estávamos habituados (“Westchester County Jail” e “Rhinestones”são descaradamente country). Mas háuma “Oh Genevieve” tão afrancesada que até tem acordeão e canções belas eintemporais como “Writers Retreat” ou “If I Were a Song”.

Em Outubro, Lloyd fará uma pequena tournée em Portugal (Porto, Guimarães, Estarreja, Sintra eCoimbra), com o Small Ensemble, uma versão reduzida deste grupo de músicos, ecantará certamente: “Maybe I’m not made for these times”. Talvez, mas por cánão nos importamos.

Eels - Tomorrow Morning ****

2010-09-22T00:25:00.000+01:00

O senhor Mark ‘E’ Oliver Everett, também conhecido por eels,não é pessoa dada a grandes alegrias. Mas, nos últimos tempos, em razão de unsproblemas amorosos, andava um bocadinho macambúzio de mais. É, por isso, comalgum alívio que se comunica às massas uma melhoria, ainda que ligeira, doânimo do senhor Mark.

É verdade que aquela voz balbuciada não ajuda muito, masgraças a uma dose inesperadamente acentuada de electrónica, há canções quasealegres, quase dançantes (“Spectacular Girl”) e outras que parecem brincadeiras(“I Like The Way This Is Going”). Mercê dessa electrónica toda e do timbre quea voz de Everett por vezes assume, às vezes parece que estamos a ouvir PeterGabriel (“I’m A Hummingbird”), mas isso depois passa.

O nível geral das canções, e permita-se destacar “Oh SoLovely”, é geralmente elevado, de tal forma que a alegria do senhor MarkEverett se recomenda. Até porque sabe-se lá se dura.

Philip Selway - Familial ****

2010-09-15T00:24:00.000+01:00

Este é um daqueles discos a que se chega por engano. PhilipSelway é baterista dos Radiohead e, nessa qualidade, até costuma figurar entreos melhores da actualidade. Mas neste disco não toca bateria e poucos serão osfãs da banda britânica que acharão o mínimo de graça a estas canções.

Este é um disco sobre as famílias, para ouvir sossegado emcasa, em família ou a sós, de preferência numa alta fidelidade, que adelicadeza dos sons assim o exige.

Selway toca guitarra acústica (a pouca bateria que por aquise ouve ficou a cargo de Glenn Kotche, dos Wilco) e canta. E essa é a primeiragrande surpresa. É verdade que há outros baterias que cantam (Phil Collins atéenriqueceu com a brincadeira), mas a voz de Selway revela-se muito agradável,seja em sussurro, seja em quase falsetto, seja num registo mais normal.

A outra grande surpresa são as canções, elas próprias. Todasescritas por Selway e todas muito interessantes e belas, uma conjugação maisrara do que se julga. Há memórias da mãe, falecida há poucos anos (“BrokenPromisses”), diálogos com o(s) filho(s) (“The Ties That Bind US”) e cançõessobre as escolhas que a vida nos põe pela frente (“A Simple Life”).

O registo deriva directamente do folk, parecendo por vezesque somos transportados para o final dos anos 60, ou década de 70. Com a“ligeira” diferença de que raramente as canções surgem na sua forma maisprimitiva. Com toda a subtileza do mundo, surgem arranjos, que passam por corosmuito serenos, alguma electrónica esparsa e até, aqui ou ali, elementoorquestrais mais clássicos. Mas sempre, sempre, com uma leveza e um bom gostoextremo, o que torna a audição do disco num exercício algures entre a(auto)contemplação e o puro prazer estético.

Resta dizer que alguns portugueses já terão tido contactocom estas canções, quando, em Maio, Philip Selway passou pelo CCB, na companhiade Lisa Germano, e do baixista Sebastian Steinberg, que colaboram neste Familial.

Isobel Campbell & Mark Lanegan - Hawk ****

2010-09-08T00:23:00.000+01:00

Duas receitas que se cruzam. A mistura do açúcar (IsobelCampbell, ex-Belle & Sebastian) com o sal (Mark Lanegan, ex-grunge) e uma das correntes de maiorsucesso na música actual, aquela mistura de countrycom blues, em registo indie, a que se convencionou chamar de americana.

A primeira receita vai no terceiro disco e recomenda-se.Agora com a parte feminina a assumir totalmente os comandos, por exemplo naprodução, sendo que Lanegan nem se dá ao trabalho de escrever uma canção queseja.

Uma das particularidades deste disco é a inclusão de doisclássicos de Townes Van Zandt, uma velha glória do country, o que, de algumaforma, dá o tal tom americana, queperpassa por todas as canções. E é assim que oscilamos entre o blues agreste dotema-título (um instrumental) e o quase sussurro de, por exemplo, “Snake Song”.

No fim, fica uma certa desilusão, porque, no fundo, nada denovo aqui se passa. Mas, que diabo, nem só de novidade vivem as almas.

Tired Pony - The Place We Ran From ***

2010-08-04T00:23:00.000+01:00

Gary Lightbody, uma das almas dos escoceses Snow Patrol,tinha um sonho: fazer canções americanas, vagamente country, um tudo nadaindie, ou aquilo a que agora se chama “americana”. Felizmente, esse é um génerocuja cadeia genética não constitui segredo industrial de monta.

Lightbody acabou num estúdio de Portland rodeado de umpunhado de amigos e, numa semana, engendraram isto que agora nos é dado ouvir.A outra alma do grupo é Peter Buck, guitarrista dos REM, mas o disco tem muitae variada gente a abrilhantá-lo. Tom Smith, dos Editors, dá gravidade a “The Good Book”, Zoey Deschanel (She& Him) suaviza “Get On The Road” e por aí fora.

O resultado é interessante e, diz quem já viu, funcionamuito bem ao vivo, tal a quantidade e diversidade de gente em palco. Mas músicadesta há por aí a rodos e não parece que este disco tenha suficientes elementosdistintivos para garantir a perenidade dos Tired Pony. A ver vamos.

Flaming Lips - The Dark Side Of The Moon **

2010-07-28T00:22:00.000+01:00

“Loucura” sempre foi a palavra que melhor assenta aos PinkFloyd. Desde Syd Barrett ao estertor, o conceito esteve sempre presente, muitasvezes até de forma bem explícita.

Ora, o que fazem os Flaming Lips nesta releitura integral deuma das obras-primas da banda, quase quatro décadas após a edição original?Acrescentam loucura à loucura. Ou, se quiserem, retiram a fina camada deconveniência que civilizava o disco e deixam toda a sua profunda loucura àvista de toda a gente.

Na tarefa a que meteram ombros, os Flaming Lips tinha doisobstáculos à partida, para só falar nos mais evidentes: a sua proximidade sónica aos PF, que osimpediria de se libertarem do original; o valor intrínseco de “Dark Side”, quetorna virtualmente impossível uma re-leitura de peso idêntico.

A opção tornou-se relativamente evidente: o osso das cançõesficou quase intocado, enquanto à sua volta se desenvolveram malhas sonoraslibertadoras. Não é brilhante.

Be Yourself - A Tribute to Graham Nash ****

2010-07-14T00:21:00.000+01:00

“I Used To Be A King”, interpretada pelos Vetiver, poderiaperfeitamente ser uma canção acabadinha de escrever, tal a modernidade daescrita e da interpretação, talvez a melhor deste disco. Mas essa e todas asoutras canções têm quase 40 anos e integraram o primeiro disco a solo de GrahamNash, a alma dos britânicos Hollies e o N dos Crosby, Stills, Nash e (às vezes)Young.

Este CD reproduz fielmente o disco original, Songs ForBegginers, uma espécie de homenagem organizada pela filha Nash.

Curioso é que as canções conhecidas, “Chicago” e “MilitaryMadness”, parecem ser hoje as menos interessantes, e as verdadeiras jóias sãoaqueles em que ainda não tínhamos reparado com atenção, como é o caso de“Better Days”, ou “Be Yourself”.

Muito estimulante é o facto de as interpretações teremfugido à repetição do original, mas recusarem igualmente a diferença peladiferença. O resultado é uma serenidade e uma beleza que fazem justiça a Nash.

Tom Petty and The Heartbreakers - Mojo ***

2010-06-23T00:20:00.000+01:00

Pronto, já todos percebemos: Tom Petty sabe escrever einterpretar blues. Podemos continuar a ouvir música interessante? Ah não? Épreciso explicar? Então é assim…

Tom Petty anda perdido há umas três décadas, precisamentedesde que decidiu gravar o primeiro disco. O homem começou por ser confundidocom o punk, e depois compararam-no aSpringsteen, e depois (enfim…) a Dylan, e por aí fora. E tudo isto porquê?Simples – Tom e os seus Heartbreakers nunca conseguiram encontrar uma vozprópria e, acima de tudo, marcante. Fizeram, por isso, discos sofríveis,aceitáveis até, mas nunca brilhantes.

Este Mojo não foge à regra. É um tratado de blues. Há-os detodos os estilos – à la Clapton (“Running Man’s Bible”, psicadélicos “FirstFlash of Freedom”, talkin’, pesados, leves, quase-reaggae (“Don’t Pull MeOver”) e até (sim) dylanianos (“No Reason To Cry”). Tudo muito certinho.Excepto a emoção de que estas coisas são feitas e que por aqui não mora. Enfim,o costume.

Regina Spektor e Chris Isaak

2010-06-16T00:19:00.000+01:00

O Cool Jazz Fest tem vindo a afirmar-se como um dos maisinteressantes festivais de Verão em Portugal. Desdobrando-se por todo o mês deJulho, em vários e inesperados palcos de Cascais e Mafra, apresenta muito maisque o jazz e arredores indiciados no título. Este ano traz-nos , por exemplo,Elvis Costello e o grande Solomon Burke.

As honras de abertura vão, porém, para dois nomes pop quepouco ou nada têm comum.

Regina Spektor é uma russa que cresceu nos meios musicais deNova Iorque. Da Moscovo natal nada lhe ficou, à excepção talvez do piano de queé inseparável. Faz uma música de autor, pouco comercial, sofisticada, apesar denunca perder de vista os cânones da pop actual.

A sua primeira actuação em Portugal basear-se-á nos doisprimeiros discos de originais: Begin To Hope(2006) e Far (2009), sendo que aspotencialidades das canções e a versatilidade da artista prometem uma noiteluminosa e de improvisos.

Chris Isaak é de outra colheita. Californiano, na casa dos50, evoca os anos 50 e 60, na vertente melancólica, assumindo-se como herdeirode Roy Orbison e das suas canções de sofredor apaixonado e abandonado.

Tem uma canção que já toda a gente ouviu, embora talvez nãosaiba nomear (“Wicked Game”), representativa da extrema sensualidade que marcaa sua obra.

Após um jejum de sete anos, lançou um disco em 2009 (Mr. Lucky), que será a base da actuaçãoem Portugal, naquela que promete ser a noite romântica do festival.

Karen Elson - The Ghost Who Walks ****

2010-06-16T00:18:00.000+01:00

Karen Elson andou nas capas da Vogue e fez anúncios para Yves Saint Laurent, o que faz dela maisuma supermodelo reciclada em cantora. Dizer isto é de uma injustiça tremenda.Como tremenda seria a injustiça de a tratar, apenas, pela actual mulher de JackWhite. Na verdade, Karen tem uma queda antiga pela música, que a levou a participarem alguns projectos sem história. E, mais importante, na estreia a solo mostraque tem unhas para esta guitarra: as canções, quase todas de sua exclusivaautoria, são boas, e a voz, não sendo nada do outro mundo, é muito agradável.

É claro que a presença, como produtor, de Jack Whitesente-se um pouco por todo o lado, especialmente nos pormenores que fazem adiferença.

Sendo a sua primeira gravação, Karen Elson parece terquerido mostrar que tanto se sente à vontade no country (“The Last Laugh”), comono folk do Inglaterra natal (“Lunasa”), como nas canções mais rock a lembrar,sim, os Whitestripes.

Roky Erickson w/ Okkervil River - True Love Castout All Evil ****

2010-06-09T00:18:00.000+01:00

Aviso: esta música pode causar loucura. Foi o que aconteceu com quem a compôs e agoraa reinterpreta. Roky Erickson foi um dos génios loucos dos anos 60, com aquelaque é considerada uma das primeiras bandas psicadélicas, os 13th FloorElevators. Nas décadas que se seguiram, foi mais louco que génio, com passagensregistadas por hospícios e prisões dos EUA.

Agora, aos 63, apoiado pelas guitarras, vozes e produção dosOkkervil River, expoentes indie do seu Texas natal, ressuscita para nos mostrar12 das canções, quase autobiográficas, que foram ficando espalhadas e perdidaspela sua discografia.

É um disco belo e sufocante. Há peças dolorosas (“GoodbyeSweet Dreams”), agrestes a fazer lembrar o registo que mais o caracterizou(“John Lawman”), mas igualmente canções de grande beleza e intensidade lírica(“Forever”), que os mais distraídos poderiam julgar fazerem parte de alguma dasúltimas gravações de Dylan. O lado menos sombrio do génio.

Avi Buffalo - Avi Buffalo ****

2010-06-02T00:16:00.000+01:00

A primeira canção mantém a dúvida até ao último segundo:feminino ou masculino? E só no segundo tema (o primeiro single, “What’s In ItFor?”) percebemos que se trata de um “ele”, mas que ainda não mudou a voz (etalvez já não mude).

“Ele” chama-se Avi Zahner-Isenber, teve o bom senso detrocar o apelido por “Buffalo”, vive na Califórnia e tem… 19 anos. Uma dasvozes que mais se ouve durante o disco (belo dueto em “One Last”) é de Rebecca,a namorada, e há ainda mais um casalinho adolescente.

Fazem canções maravilhosamente adolescentes, cheias de solna música e de dúvidas e delírios nas letras. Usam muitas guitarras, entre asimplicidade dos Smiths e o psicadelismo dos Flaming Lips (“Five Little Sluts”lembra o rock erudito dos anos 70), mas também batem palmas e fazem outrascoisas claramente precoces. Fazem lembrar Mercury Rev, pela voz falsetto epelos coros, e Camera Obscura, pelas melodias meio retro.

Nada mau para estreia, senhor Zahner-Isenber.

Bonnie “Prince” Billy & The Cairo Gang - The Wonder Show Of The World ****

2010-05-26T00:15:00.000+01:00

Tente fazer isto em casa. Está a ver aqueles mágicos ouanúncios que arriscam e depois o diminuem – “não tente fazer isto em casa”? Osdiscos de Bonnie “Prince” Billy, especialmente este, no seu aparenteamadorismo, convidam a um traiçoeiro: “então, agora experimente lá você”.

Traiçoeiro porque nem todos escreveríamos versos de aberturacomo “I once loved a girl, buy she couldn’t take that I visited troublesome houses”,ou, mais à frente, falando de uma noite com uma mulher, poucos se lembrariam,ou arriscariam, proclamar que “the smell of your box is still on my mustache”.

A forma como Bonnie se atira a histórias, de amor, do seuinverso, ou de simples companheirismo é um dos seus segredos. Histórias bemesgalhadas, que prendem a atenção, seja pelo afecto à flor da pele, pelo humordesconcertante, pela história ela própria.

O outro segredo, e fiquemos pelos óbvios, passa obviamentepela forma peculiar como Bonnie entoa as canções, numa aparente, insiste-se,numa aparente fragilidade, nunca sendo evidente a forma como cada passo se vaiseguir ao que o precedeu.

Nesta gravação, pela primeira vez, é assumida na capa umavelha colaboração com os Cairo Gang, que emprestam a cada canção sonoridadessempre inesperadas, seja pelos coros, ora alinhados (enfim…), ora emcontraciclo, seja pela diversidade instrumental, especialmente da guitarra, quevai de um simples e quase inaudível dedilhar a breves solos Claptonmaníacos.

As canções, também elas, vão de registos intimistas, quasecomoventes (“That’ What Our Love Is”), a coisas que se aproximam de country-pop(“The Sounds Are Allways Begging”). E, claro, os mais velhos podem sempreentreter-se a encontrar Crosby Stills and Nash debaixo de cada pedra dacalçada.

Muito à custa de uma produtividade acima da média, Bonnie“Prince” há muito que deixou de ser um dos segredos mais bem guardados da cenacontemporânea. Que o povo o consuma. E, a sério, que tente fazer isto em casa.

The Divine Comedy - Bang Goes The Knighthood ****

2010-05-19T00:14:00.000+01:00

Ah, a felicidade… Neil Hannon está feliz, muito – não sejamtablóides e não queiram saber os porquês – e fez um disco todo ele Primavera apender para o Verão. Imaginem que o primeiro single chama-se “At The IndieDisco”, é, obviamente, um divertimento e até se me mete com meio mundo da coisamusical.

É claro que a alma mais melancólica dos Divine Comedy aindapor aqui anda – a faixa de abertura, ou “When A Man Cries”, por exemplo – e queo humor sarcástico de Hannon ainda faz das suas – “The Lost Art OfConversation”, uma canção reveladora. Para quem gosta de canções que comentem aactualidade, há o evidente “The Complete Banker”.

Mas o resto desta décima gravação dos Divine Comedy (aúltima tinha sido há quatro anos) é mesmo a boa disposição, servida pororquestrações luminosas e pela voz tão característica de Hannon.

Para aqueles que queiram prolongar a festa, há ainda umaedição deluxe, que inclui as canções francesas (!) de Neil cantadas ao vivo.

Villagers - Becoming a Jackal *****

2010-05-19T00:13:00.000+01:00

“Se não me surpreendo a mim mesmo, será um esforço em vão.”É assim que o irlandês Conor J. O’Brien descreve as suas canções. E quesurpresas! Uma das maiores de um ano que ainda nem a meio vai.

A inspiração primeira, e isso só lhe fica bem, são os quatrode Liverpool (“That Day”), mesmo que frequentemente sejamos remetidos para areinterpretação que os escandinavos (vide Kings Of Convenience) têm feito dapop (“The Pact” ou “Set The Tigers Free”) ou para a corrente de novoscompositores da constelação Rufus (“Ship Of Promisses”).

Mas é injusto restringir os Villagers (é assim que seapresenta o grupo ocasional de músicos reunidos por O’Brien) às suasinfluências. Até porque esta estreia apresenta 11 canções de rara beleza, sejana composição seja na interpretação, incluindo a claríssima voz do autor.Experimentem ouvir “Home” e digam lá se conseguem ouvir apenas uma vez…

Eis, pois, e não será demais insistir, um dos discos do ano.

John Grant - Queen of Denmark ***

2010-05-12T00:11:00.000+01:00

José Cid. Ouçam “Silver Platter Club” e digam lá se nãoparece José Cid da fase Green Windows. Uma das graças deste disco éprecisamente a camada de kitsch que o envolve – a cada momento, ouvimospequenos trechos e melodias inteiras que nos atiram lá para os anos 70 ou 80.Coisas meio psicadélicas, Beach Boys sem Brian Wilson, baladas a atirar para osinfonismo, alguma electrónica exuberante. Chega a ser engraçado.

Outra das graças é a voz de John Grant, rapaz que já por aíanda há uma década, mas que, realmente, nunca deu nas vistas. Teve um grupo quese chamou The Czars (três discos, entre 2000 e 2004) e, nos últimos tempos, fezde músico de apoio dos Flaming Lips e dos Midlake, grupo este o acompanha nestaprimeira aventura a solo. A voz, portanto, de John Grant é muito interessante,barítono, uns furos acima do banal e também uns furos acima da suaoriginalidade como compositor. Fica a sensação de que, em vez de canções, fazcolagens.

Um disco que é quase uma curiosidade.

Rufus Wainwright - All Days Are Nights: Songs For Lulu ****

2010-05-05T00:10:00.000+01:00

Não entres tão ligeiro neste disco escuro. Olha que é asério, todos os dias são noites. Este é um disco de sofrimento, composto àmedida que a mãe (Kate McGarrigle, Janeiro 2010) se despedia dolorosamente davida. Cantado em diálogo com a irmã (“Martha”) – “agora já nenhum de nós érealmente mais velho que o outro”, muito distante do pai (Loudon) – “já nosresta muito pouco tempo para estarmos zangados uns com os outros”.

A acentuar o tom melancólico, Rufus deixou de parte asorquestrações quase barrocas de gravações anteriores e faz-se acompanharexclusivamente ao piano.

O piano e a melancolia são, de resto, o cimento que une asvárias peças desta obra. Avultam os três sonetos de Shakespeare musicados paraum espectáculo de Robert Wilson com o Berliner Ensemble, uma área da primeiraópera de Rufus, Prima Donna, e aindauma série de originais dominados por uma tónica acentuadamente intimista. Masisso é o Rufus de sempre. Como a abertura, “Where Are You New York?”

Alicia Keys

2010-04-28T00:09:00.000+01:00

Alicia Keys toca piano e isso faz toda a diferença. O piano,de raiz clássica, confere-lhe um estatuto à parte, de uma certa superioridade,nos meios R&B, hip-hop e neo-soul em que se move. Isso começa por se notarnos discos, em que as teclas chegam a declinar um ou outro tom mais clássico.Ao vivo, o piano como que dispensa das encenações e danças musculadas, como,por exemplo, as de Beyonce.

Essa classe de Alicia tem, no entanto, um senão - a frieza,tanto mais estranha quanto estamos num estilo musical em que tudo é calor, acomeçar pelo humano, tudo é expansivo. Alicia leva tanto a sério a sua música,que se “esquece” de ser sedutora, de insinuar.

Junte-se tudo isto e temos, como alguém disse, uma artistaque não sua em palco. Ou que, pelo menos, não transforma cada espectáculo numaexibicionismo de ginásio, tão em voga, especialmente entre as vozes femininas.

Conclusão: os espectáculos de Alicia Keys são umasensaboria? Não necessariamente. São apenas concertos em que a vertente musicalainda impera sobre a visual. Não estamos perante uma Madonna, ou sequer umaBeyonce.

Esta sua terceira passagem por Portugal será centrada noúltimo disco (The Element Of Freedom,2009), que, a propósito, está longe de ser o mais interessante da sua carreira.Obviamente, os sucessos anteriores serão os mais requisitados pela plateia.

No Pavilhão Atlântico, o sucesso jogar-se-á, acima de tudo,nos músicos e nos arranjos com que vestirão cada tema. E, claro, na mais na vozque na movimentação em palco de Alicia.

She & Him - Volume Two ***

2010-04-21T00:07:00.000+01:00

É mentira. Nunca fomos assim tão felizes. Escusam de virpara cá com esses coros afinadinhos, as pandeiretas, os solos de guitarra bemcomportados, os violinos celestiais, essa vozinha adolescente, quase púbere... Masque fazer, se a nostalgia é isso mesmo, um passado mais que perfeito?

Zooey Deschanel, actriz, e M. Ward, músico e produtor folk, encaram a nostalgia com muitoprofissionalismo. Ela escreve cantigas lindas, à moda dos anos 60 e 70(Carpenters, lembram-se?) e ele veste-as como se o tempo tivesse parado. Tudotão certinho, até mesmo quando a voz dela quase fraqueja e faz lembrar umamenina, toda ela inocente.

Neste segundo volume, igualzinho ao primeiro (2008), hácanções perfeitas (“Thieves”, “Lingering Still”), outras assim-assim (“Sing”) eainda algumas que fogem ligeiramente ao registo e até parecem canções de autor(“Brand New Shoes”).

A coisa, globalmente, é refrescante, adequada para a época.Mas o consumo em doses repetidas pode provocar algum enjoo.

Jakob Dylan - Woman + Country ***

2010-04-14T23:59:00.001+01:00

Quem não quer, ou não pode, ser lobo não lhe veste a pele. Jakob é filho de Dylan, mas Dylan não se chama Dylan e Jakob fez questão de lhe herdar o pseudónimo. O que é, creiam, um aborrecimento. A cada crítica, lá temos que alertar que Jakob é filho de Bob e fazer comparações – o rapaz também tem a voz enevoada e as águas blues-country clássicas são as mesmas em que o pai mergulhou na última década.

Um aborrecimento, creiam. Porque Jakob tem, apesar de tudo, uma voz própria, no sentido mais amplo da expressão, como já tinha demonstrado na experiência colectiva com os Wallflower. E porque esta segunda gravação a solo está uns furos acima da monocórdica estreia a solo (Seeing Things, de 2008), talvez mercê da troca de produtor – Jack Rubin deu lugar aos mais lunático T Bone Burnett. O resultado são canções com mais densidade, às quais os metais e as cordas conferem uma espessura que talvez falte à relativamente banal composição. Por isso mesmo, “Lend a Hand” e “Standing Eight Count” sejam duas das canções que mais ficam no ouvido, a par, talvez das duas baladazinhas de abertura.

Emma Pollock - The Law Of Large Numbers ***

2010-04-01T21:22:00.001+01:00

De pessoas como Emma Pollock costuma dizer-se que têm uma voz muito própria - por mais voltas que se dê, não se conseguem catalogar. É o caso de Emma, uma compositora e cantora escocesa, que consegue juntar numa mesma canção estilos, ritmos, instrumentos, talvez influências, completamente distintas.

Esta é a segunda gravação a solo (a anterior data de 2007: Watch The Fireworks), mas Emma Pollock era já uma das almas dos escoceses Delgados, uma banda de relativo sucesso na viragem da década anterior.

Neste CD de título enigmático (a própria autora confessa não ter a mínima ideia do que quer dizer), há pop quase a pedir top (“Confessions”, ou “I Could Be A Saint”), mas igualmente baladas folk de beleza refinada (“House On The Hill”), números de neo-vaudeville (“Nine Lives”) e até pequenas pérolas de brincadeira (“Red Orange Green”). Tudo envolto em guitarras, muitas mas elegantes, pianos e até cordas. Uma voz muito própria, de facto.

Drive-By Truckers - The Big To-Do ***

2010-03-17T21:16:00.002Z

Puros e duros. Ao contrário da generalidade dos parceiros do renascimento country (alt-country), os Drive-By Trucks não querem inovar coisa alguma. Fazem aquilo a que, há quatro décadas, se convencionou agrupar sob o chapéu de rock sulista e, se alguma coisa os distingue dessa linhagem, é a ausência do discurso descaradamente conservador. Enfim, uma música marcada pelas omnipresentes e múltiplas guitarras, entre o riff constante (Drag The Lake Charlie”) e o solo quase interminável (“After The Scene Dies”).

Nesta oitava gravação da banda (andam cá desde 1996), há, como manda a tradição, canções bem esgalhadas e quase dançáveis, como “Drag The Lake Charlie”, mas igualmente abordagens mais comerciais, à la Fleetwood Mac (“I Told You So”) e até quase-baladas, “Santa Fe”, que fazem deste disco uma experiência de audição nunca aborrecida. Uma piscadela de olho ao mercado não americano, que até agora lhes tem escapado.

Basia Bulat - Heart Of My Own ***

2010-03-10T21:15:00.002Z

Basia Bulat, como o próprio nome indica, é canadiana. A sério – é mesmo canadiana. À laia de apresentação, poderíamos ainda acrescentar que faz parte da constelação Arcade Fire, mas aí já estaríamos a enganar os leitores mais incautos. De facto, quer este disco quer o primeiro (Oh, My Darling, 2007) foram produzidos por Howard Billerman, esse sim da órbita dos Arcade. Mas Basia navega outras águas, geralmente mais calmas.

São basicamente baladas folk, entrecortadas por uma outra mais animada (“If Only You”, ou “Walk For Down”), a matéria-prima com que trabalha a menina Bulat. Ouça-se, por exemplo, a lindíssima “The Shore”, um monólogo melódico apenas pautado por uma harpa e uns esparsos coros, para que fique claro o grau de intimidade com que estamos a lidar.

Acrescente-se que a voz de Basia Bulat é muito agradável e que as canções ultrapassam facilmente a mediania para que se entenda a atenção dispensada a mais esta canadiana.

Florence and The Machine

2010-03-03T21:13:00.000Z

É uma das coqueluches do momento na cena britânica. O primeiro disco (Lungs), lançado em meados de 2009, atingiu o topo das tabelas de vendas já no início deste ano. Um sucesso de vendas a que não será alheio o bom acolhimento da crítica e que se reflectiu, ainda há poucas semanas, na consagração de melhor disco dos Brit Awards.

A passagem por um palco português ocorre, pois, na melhor altura, ainda para mais se tivermos em conta que, de acordo com a imprensa especializada, Florence and The Machine terão gravado em Janeiro algumas canções para o segundo disco, pelo que não seria de estranhar que, além de ouvir a totalidade dos temas de Lungs, Lisboa fosse das primeiras cidades a tomar conhecimento da evolução do fenómeno.

A música de Florence não é para gente de estômago fraco, perdoe-se a alusão a mais um dos órgãos internos do género humano, mas é mesmo de coisas viscerais que tratam estas canções. Senhora de uma voz potente, algures entre Annie Lennox e Celine Dion, Florence põe todo o seu corpo ao serviço da música, seja através de vibrantes descargas de decibéis, seja pela permanente e exuberante movimentação em palco.

E as canções são, elas próprias, essencialmente físicas (“Kiss With a Fist”), mesmo quando enganadoramente começam de mansinho (“Dog Days Are Over”). Canções de amor, temperadas com limão azedo, portanto.

Diz quem já viu que é melhor ir preparado para saltar muito durante o espectáculo. Não esperem de Florence que faça toda a despesa.

Holly Miranda - The Magician’s Private Library ***

2010-03-03T21:12:00.004Z

Caso raro. Alguém a quem apetece dar uma segunda oportunidade para causar uma primeira boa impressão. Holly Miranda anda na música há uma década, idade que tem a sua primeira e única gravação a solo até à data. Pelo meio, integrou uma banda sem grande história (Jealous Girlfriends), com quem gravou dois discos irrelevantes.

O regresso, a solo, ocorreu o ano passado, com um EP e, agora, com este disco de maior duração. O projecto é em grande parte dominado pelo produtor – Dave Sitek, dos TV On The Radio – e esse poderá ser o grande problema: um som saturado, com uma densidade orquestral pouco comum, um pouco irrespirável.

Pelo timbre, pela maneira displicente como deixa cair as sílabas, pelos tiques de composição, Holly faz lembrar Cat Power. Até mesmo pela ausência de brilhantismo na composição. A diferença está no produção de semblante psicadélico. Torna-se, porém, tudo um pouco monótono e ficamos com a sensação de que poderia ser diferente. Vai uma segunda oportunidade?

Josh Rouse - El Turista ***

2010-02-24T22:47:00.001Z

Canções como “I Will Live On Islands” podem levantar problemas morais – isto é uma cópia descarada de Paul Simon, ou o rapaz não tem culpa alguma de os seus gostos musicais, os tiques de composição, ou mesmo o timbre da voz, se assemelharem em demasia à fase “graceland” do velho cantautor?

A resposta, como calculam, é irrelevante, instalada que está a dúvida. Até porque Rouse tem uma carreira que fala por si – oito discos numa década – e neste CD volta a revelar-se um compositor inspirado e um intérprete versátil.

Estamos perante música claramente norte-americana (indie folk não será classificação que lhe assente mal), mas embebida de fortes influências latinas (Rouse vive há meia dúzia de anos em Espanha) e afro-brasileiras. “Lemon Tree”, por exemplo, é uma bela balada em registo bossa jazz e “Valência” um bolero digno de Bola de Nieve, o enorme vulto da canção cubana, aqui revisitado em dois temas.

Laura Veirs - July Flame ***

2010-02-04T22:46:00.000Z

Ouvindo “Sun King”, a terceira canção deste disco, poderíamos julgar estar na presença de uma cantora country notoriamente apaixonada. Ora, isso não é bem assim, embora não seja totalmente mentira.

Com este sétimo disco, Laura Veirs regressa parcialmente à simplicidade dos primeiros discos, sendo disso exemplo o destaque dado à guitarra acústica e a pouca roupagem que a maioria da canções ostenta. E é, sim, um disco feliz, reflectindo a harmonia da vida no campo e uma relação amorosa aparentemente também ela feliz. A sério… (Ouçam a bela “When You Give Your Heart”).

Laura Veirs continua a ser um personagem peculiar. A voz que sobe e desce e se fixa insistentemente num registo quase desafinado. As composições a fugirem quase sempre ao óbvio. Mas a aposta numa sonoridade acústica e de orquestrações subtis limam algumas, apenas algumas, das arestas do passado. Mais comercial, então? Sim, mas só um pouco.

Clare and The Reasons - Arrow ****

2010-02-04T22:44:00.002Z

A voz de Clare Muldaur remete-nos para um universo algo infantil. E por isso imaginamos uma menina loira a brincar com melodias, deliciada com a repetição das mais belas, fascinada com o modo como o amigo de brincadeira (no caso, o marido, Olivier Manchon, autor, músico, produtor…) arruma e desarruma as peças do lego.

São 13 canções impecavelmente escritas, orquestradas e interpretadas, que bebem amiúde na tradição francesa e nas raízes do jazz, mas que escapam a qualquer classificação. O que mais sobressai, insiste-se, é o lado lúdico, seja no modo como as canções são construídas, os tais pedaços de melodia repetidos (quase) até exaustão, seja nas roupagens extraordinariamente inventivas e diversificadas com que são servidas. As cordas, com destaque para o violoncelo, e os sopros estão quase sempre presentes (um espanto, a versão de “That’s All”, dos Genesis), mas há também electrónica usada com toda a elegância (“You Got Time”).

The Magnetic Fields - Realism ****

2010-02-03T01:15:00.000Z

Na ficha técnica, a seguir à lista de músicos, lê-se: “no synths” (sem sintetizadores). Ficam, pois, avisados os seguidores de Stephin Merritt que aquela onda sónica que afogava as canções, tipo Jesus and Mary Chain, foi (felizmente) sol de pouca dura (Distortion, 2008) e que, apesar das semelhanças das capas de um peculiar mau gosto, este Realism é algo completamente diferente.

Por “diferente” entenda-se o regresso de Merritt às sonoridades de raiz folk, com muitas harpas, banjos, pandeiretas e ferrinhos. Sim, é de novo o fantasma de 69 Love Songs, essa esmagadora obra-prima, que por aqui se passeia.

Nem todas as canções deste CD chegam aos calcanhares das Love Songs, mas algumas andam lá perto (“Seduced and Abandoned”, “You Must Be Out of Your Mind”). E poucos músicos conseguem compor canções tão bonitas com poemas tão tristes, de desamores, desalentos, desatenções. Especialmente recomendado a quem goste de sofrer com estilo.

Charlotte Gainsbourg - IRM ****

2010-02-03T01:13:00.000Z

Se Serge Gainsbourg fosse vivo, não faria um disco destes. É próprio dos génios, escaparem à previsibilidade. Mas este é o melhor disco de originais de Gainsbourg desde a sua morte. A cumplicidade de Charlotte, filha de Serge, confere a Beck, o americano Beck, a legitimidade para se apoderar do universo do francês mais amado pelos músicos anglo-saxónicos. Como bónus, Charlotte reincarna na perfeição, não apenas o look, mas também a pose musical da mãe Birkin.

O disco nasce de um acontecimento traumático, a hemorragia cerebral sofrida por Charlotte há três anos, e isso justifica a tensão que o atravessa. A electrónica, metáfora hospitalar, da faixa que dá título ao disco, ou as guitarras e percussões de “Trick Pony”. Quase alucinações compensadas por momentos de grande beleza melódica, como “In The End”, ou “Time of the Assassins”. Ou coisas tão pop como “Heaven Can Wait”. Gainsbourg, o pai, haveria de gostar.

Bon Jovi - The Circle ***

2010-01-06T23:41:00.002Z

Rock pesado para domésticas e executivos. Eis a fórmula dos Bon Jovi, demonstrada com toda a pujança neste seu disco de regresso, após um toca-e-foge de separações e reagrupamentos e de um gravação (“Lost Highway”, 2007) em que o “country” media forças com o rock.

The Circle traz-nos 12 canções cheias de pedalada e de guitarras, mas também suficientemente redondas, expectáveis, para viajarem nos leitores de CD dos carros da classe média. O que mais espanta, apesar de tudo, é a espantosa resistência deste tipo de música ao tempo e às modas. Tivesse este disco sido gravado há 20 anos e seria exactamente igual.

Difícil mesmo é destacar uma ou outra canção. O grupo funciona como uma jukebox que vai pondo cá fora acordes atrás de acordes, refrões atrás de refrões, feitos a pensar em estádios e o ouvinte, por mais paciente que seja, perde-se e já nem sabe se está a ouvir a canção número dois ou a oitava.

Alela Diane feat. Alina Hardin - Alela & Alina ****

2010-01-06T23:39:00.004Z

Guitarra e duas vozes femininas. A solo, em coro, em contraponto. Histórias do quotidiano, de amores e desamores, filosofia incluída. O mais puro do folk, mais britânico que americano.

Estamos num território mais radical que o psych-folk que emergiu na cena musical na viragem do milénio. Aqui, as canções, três originais e outras tantas covers, são despidas – não há vozes distorcidas, guitarras eléctricas, não, é mesmo tudo a nu. Verdadeiramente, um disco destes grava-se em casa, com o risco de parte da audiência pensar que se trata de maquetes para posterior produção e embelezamento. Nada disso.

“Matty Groves”, cuja versão mais conhecida é a dos Fairport Convention, é um excelente exemplo dessa depuração. Dos originais, “I Have Returned” é a mais conseguida. Melancólica, como tudo o resto.

Susan Boyle - I Dreamed A Dream ***

2010-01-06T23:37:00.000Z

Um dia destes, no Ídolos que passa na televisão portuguesa, ouviu-se “Hallelujah” numa versão cuja principal virtualidade era de apenas durar um minuto e meio e, assim, reduzir consideravelmente os danos. Não admira. Foi a partir de um programa do mesmo tipo que uma das mais simbólicas canções de Cohen subiu recentemente aos tops britânicos. E, claro, há ainda os miúdos que agora estão no início da adolescência e que adivinham “Hallelujah” pelos primeiros acordes depois de a terem ouvido, pela voz de Rufus Wainwright (!?), na banda sonora do primeiro Shrek (!!!).

Dá que pensar, convenhamos. Como uma canção mística, que é ouvida em prece pelos adoradores de Cohen, é repentinamente convertida em algo digno de concorrer com lituanos e moldavos no Eurofestival. Questões de gosto, que os leitores da Time Out certamente gostarão de discutir entre si, mas que não terão paciência para ler na página de críticas de discos. Ainda por cima, Susan Boyle (ainda) não canta “Hallelujah”.

Lembram-se, certamente, da dona de casa escocesa que encantou o júri de um desses tais programas de imitações britânico? O primeiro disco vai buscar a canção que a tornou famosa (“I Dreamed a Dream”) e junta-lhe uma dezena de outros sucessos pop cantados à la Celine Dion, com a vantagem (Aleluia!) de Susan não ser tão estridente quanto o original.

E o que dizer destas versões, senão que são, sim, domesticadas? E que a voz de Susan Boyle é, de facto, muito boa e que, às vezes, até consegue fingir que sente aquilo que canta?

Tendo em conta a tarefa a que meteram ombros – ganhar uns cobres, reproduzindo o mesmo esquema até que se esgote –, os artífices da coisa estão de parabéns. E, na verdade, quem quiser ouvir uma boa versão de “Wild Horses” tem o original dos Stones. Ninguém chega aqui por engano.

Charles Aznavour & The Clayton Hamilton Jazz Orchestra *****

2009-12-23T23:32:00.002Z

Há um cheirinho de imortalidade nesta gravação. Como se as canções, algumas das melhores escritas no século XX, nos mirassem da Eternidade e nos desafiassem: vejam, oiçam, como nós brincamos, fingimos de nós próprias e nos reinventamos, sem perdermos aquela aura que nos trouxe até este Olimpo.

Aznavour tem agora 85 (a tournée mundial de despedida passou o ano passado por Lisboa) e poderia limitar-se a catalogar antologias, ou, na melhor das hipóteses, a gravar duetos com gente de desvairada origem (também já o fez…). Tudo jogadas seguras para a consolidação do mito.

Mas e o prazer, sim, o prazer? Aquele bichinho louco do artista, inquieto por definição. Por exemplo, pegar numa dezena e meia de canções e atirá-las lá para trás, para o tempo em que foram escritas, em que deram os primeiros passos em cabarets? E fazer tudo isto, mas com uma grande orquestra de jazz, como se tudo acontecesse pela primeira vez, como se o jazz fosse a terra nativa destas canções?

Dificilmente o exercício poderia ter resultado melhor. Ouça-se, por exemplo, “I’ve Discovered I Love You”, em dueto com Rachelle Ferrel (há por aqui vários e ainda um com Dianne Reeves), toda aquela subtileza, toda aquela alma, e somos obrigados a fazer coro: “you take my breathe away”.

E há de tudo, dessa subtileza à força do jazz mais clássico, em “Viens fais-mois rever”, ao bebop de “Des amis des deux côtés”, ao neworleanesco “The Jam”. A imaginação à solta. E, claro, “La Bohème”, uma canção que Aznavour canta como quem respira, ficando a orquestra “limitada” a um subtil contraponto.

Para que tudo fosse realmente perfeito, a voz de Aznavour teria que ter resistido incólume a milhares (milhões?) de horas de palco e estúdio. Mas isso já seria da ordem do milagre.

Martha Wainwright - Sans Fusils, Ni Souliers, à Paris (Piaf Record) ****

2009-12-09T23:38:00.001Z

Piaf imitada, Piaf reinventada. É assim o novo disco de Martha Wainwright, gravado em três noites quase íntimas num pequeno auditório de Nova Iorque.

Nascida e criada em Montreal, Martha lida perfeitamente com a língua francesa e, ouvindo este disco, percebe-se que Piaf é uma paixão de vida. Chega a imitar-lhe as sílabas nasaladas e só lhe falta um pouco mais de autenticidade na embriaguez da voz para que o vulto da grande dama seja convocado ao palco.

Há Piaf escandalosamente imitada (“La Foule”, ou “C’Est a Hambourg”) e há Piaf reinventada (“Le Chant d’Amour”), não traída, mas simplesmente pressentida, como se Martha imaginasse como poderia ser Piaf.

Os arranjos musicais raramente se afastam das sonoridades identitárias da chanson (piano, acordeão, a valsa dominante), o que, a par da dramaturgia da voz, quase concretiza o milagre da ressuscitação.

Robbie Williams - Reality Killed The Video Star ***

2009-12-09T23:35:00.001Z

Eis o regresso do homem-espectáculo. Sim, com um disco à altura de servir de base a fabulosos videoclips e a espectáculos de fazer cortar a respiração.

Em grande forma, o cantor pop por excelência regressa aos discos grandiosos após a desilusão que foi Rudebox (2006). A produção está a cargo de Trevor Horn, o génio por detrás dos Buggles (“Vídeo Killed The Radio Star”, lembram-se? Daí o trocadilho no título).

As grandes canções são vestidas com orquestrações à maneira, piano e orquestra de luxo (“You Kown Me”, “Superblind”), mas o pop eléctrico – agradar a gregos e troianos ainda é uma regra de ouro – não fica esquecido (“Do You Mind”, “Deceptacon”) e, às vezes (“Last Days of Disco”, “Difficult for Weirdos”), o apelo da pista de dança é ainda mais forte. E para quem gosta de bonsais, nada melhor que “Somewhere”, um minuto e dois segundos de pura evocação beatleana.

Rod Stewart - Soulbook **

2009-12-02T22:38:00.001Z

Uma das coisas mais deliciosas deste disco é a linha de baixo de “(Your Love Keeps Me Lifting Me) Higher and Higher”. A força e a suavidade, sim, a força e a suavidade, daquele baixo não eram possíveis em 1967, quando Jackie Wilson gravou a primeira versão.

Esses prodígios da era digital – é disso que se trata –, têm, todavia, os seus efeitos nefastos. A pureza do som é uma espécie de droga, que pede sempre mais e inebria, e alguma da música que hoje se ouve deve muita da sua vivacidade mais aos artifícios da técnica que à inspiração, sendo exemplo disso a praga de revivalismo R&B que ataca os tops de todo o mundo.

E é o caso deste CD do mais famoso canastrão da história da pop. Nada, nadinha mesmo, neste disco é original. Pelo contrário – o que se procurou fazer foram cópias dos originais, sublinhadas por gravações de enorme pureza instrumental, numa espécie de hiper-realismo musical. Simplificando, Rod Stewart mandou fazer umas cópias catitas dos arranjos originais e depois, qual amante do karaoke, meteu-lhes a voz. E, pese embora a peculiaridade dessa voz, a verdade é que ela já teve melhores dias, muito melhores dias.

Exemplo perfeito desse mimetismo é o convite dirigido a Stevie Wonder para reproduzir o mesmíssimo acompanhamento de harmónica do seu “My Cherie Amour”. Ou a presença, quase simbólica de tão discreta, de Smokey Robinson. A Motown forneceu, de resto, cerca de metade da matéria-prima deste disco, o que deriva do peso da editora no panorama da soul, mas também diz muito sobre as intenções deste disco: filet mignon à medida dos tops.

Obviamente, um disco destes não desilude. Cumpre exactamente o papel para que foi feito – easy listening para pessoas de gosto requintado. Seja isso lá o que for.

Seasick Steve - Man From Another Time ***

2009-11-25T22:46:00.001Z

O êxito de I Started Out With Nothin’ And I Still Got Most Of It Left (2008), o terceiro disco deste sexagenário excêntrico, colocou bem alta a fasquia das expectativas.

O homem é do mais arcaico que há. Constrói as próprias guitarras, com uma ou quatro cordas, às vezes a partir de caixas de charutos. Grava em estúdios analógicos e todos os sons que ouvimos, menos a percussão, são de sua autoria. Uma espécie de reinvenção radical dos blues.

Man From Another Time, a começar pelo título demasiado explícito, é, porém, um disco em que já se perdeu a inocência e pouco mais tem para se mostrar que a exuberância mecânica de um certo estilo. Um disco de manutenção, portanto.

“That’s All” é uma excelente canção, quase radiofónica. “Diddley Bo”, executada com uma guitarra do mesmo nome, é uma óbvia homenagem a uma das principais fontes de inspiração. Boogie vibrante, há-o a encerrar, e baladas como “Just Because I Can” não se ouvem todos os dias.

Jacinta - Sings Songs Of Freedom ***

2009-11-25T22:44:00.000Z

Há um objectivo claramente comercial neste disco e isso está longe de ser censurável. Jacinta tem uma excelente voz, um nome firmado no pequeno mundo do jazz luso e, admita-se, até alguma projecção para lá dessas duas fronteiras.
Os êxitos dos anos 60, 70 e 80 referidos na capa são originais de gente tão díspar como os Bee Gees, U2, Beatles, Beach Boys, Bob Marley ou Stevie Wonder. Temos, então, genericamente canções pop adaptadas à linguagem jazz, sendo que as versões ficam a meio caminho, tentando agradar a públicos dos dois mundos.
“How Deep Is Your Love” ou “Sir Duke”, por exemplo, talvez fiquem excessivamente agarradas ao original. Já em “And I Love Her” ou “Where the Streets Have No Name” assume-se mais o risco.
Pena que o arrebatamento de “Redemption Song”, especialmente na versão ao vivo, não tenha contaminado todo o disco, quer na interpretação, quer na escolha do repertório. Mesmo assim, uma boa alternativa às xaropadas próprias da época natalícia.

Tom Waits - Glitter & Doom Live *****

2009-11-25T22:43:00.000Z

Bastavam os extras para colar a etiqueta de “obrigatório” neste disco. Os extras são, nada mais, nada menos, que 36 minutos de histórias, piadas e bizarrias, contadas por Tom Waits nos intervalos das canções, e aqui reunidos num CD, como se de um “stand-up” se tratasse. Desde as leis estúpidas do Oklahoma, ao “museu do spam”, ao motivo pelo qual os ratos não comem apenas porque têm fome, ao trocadilho entre a percentagem de homens “importantes” e “impotentes”, passando por outras balelas fundamentais para o futuro da Humanidade, de tudo Tom Waits se lembra de contar para puro divertimento de quem o ouve.

Quando se passa do segundo para o primeiro disco, a coisa não melhora… Mantemo-nos nesse bizarro e perturbante universo de um dos mais fascinantes autores, músicos e cantores das últimas décadas. A Rolling Stone chamou-lhe “one man circus”, expressão que lhe assenta que nem uma luva, desde logo pela temática onírica que criou, toda ela cheia de personagens bizarros, mas igualmente porque a sua música – e isso é especialmente audível nesta gravação – deve muito ao mundo dos cabarets e circos. Quando canta “I’ll Shoot The Moon” quase o imaginamos no arame, com o saxofonista lá em baixo acompanhando a valsa de uma bailarina decadente.

Glitter & Doom Live junta 17 canções gravadas, em 10 cidades diferentes, durante a digressão americana e europeia do Verão de 2008. Waits faz-se acompanhar de cinco músicos que reinventam, literalmente, canções de quase toda a sua carreira. Mas o destaque vai, inteirinho, para a voz, ora sussurrante, ora projectada, como um instrumento musical. “Green grass”, cantada ao nosso ouvido, tem direito a assobio, “Goin’ Out West” transforma-se num boogie-woogie infernal, “Dirt In The Ground” é a balada herdeira do folk. A criatividade parece não ter limites.

Norah Jones - The Fall *****

2009-11-18T22:40:00.000Z

Talvez o céu seja o limite para esta menina, nascida há 30 anos em Nova Iorque e que nunca precisou do nome do pai (Ravi Shankar) para dizer ao que vinha. Ao quarto disco, confirma que é uma compositora de rara elegância, mostra uma voz tão fresca como no primeiro dia em que a ouvimos e, acima de tudo, revela um apetite pela aventura musical que só lhe pode augurar o melhor.

Estamos longe, a léguas, da enorme surpresa da estreia (Come Away With Me, 2002), um disco que revelava uma nova e lindíssima voz e uma menina com muito jeito para compor canções que cruzavam delicadamente o jazz e a pop. Mas, nesse e no segundo CD, o registo era marcadamente tradicional. Na estrutura das canções e, principalmente, no modo de as abordar. Norah Jones poderia ter continuado esse caminho, o filão parecia inesgotável. Mas, em Not Too Late (2007) e, especialmente, neste The Fall, as estruturas clássicas do jazz ligeiro são definitivamente deixadas para trás e a compositora mostra-se em toda a sua plenitude.

Estamos perante um disco assumidamente pop. Mas um pop que arrisca, que frequentemente se deixa contaminar pelas texturas indie – “Stuck”, por exemplo, é uma das mais belas canções dos últimos tempos. Já “Chasing Pirates”, que vai certamente rodar nas rádios, bebe deliberadamente nos anos 80. Há restos de swing em “Waiting” e “Tell Yer Mamma”. E há baladas qb.

Mas isto é dizer pouco. Porque o mais marcante deste disco é o som global, completamente dominado pelas guitarras, em vários registos, mas raramente clean. Tudo na exacta medida para fazer sobressair as composições e a voz.

A edição Deluxe tem três destas novas canções cantadas ao vivo e ainda três covers (Wilco, Johnny Cash e Kinks), elas próprias reveladoras da nova Norah Jones.

Joss Stone - Colour Me Free! ***

2009-11-11T22:41:00.001Z

Reinventa-te ou morre. Este é o destino que a indústria musical destina aos medianos. Os outros, os extraordinários, reinventam-se, ou não, a seu bel-prazer.

Joss Stone é uma rapariga mediana, apesar do estrondo que foi a sua estreia há seis anos. Afinal de contas, não é todos os dias que uma adolescente linda (16 anos) põe cá fora um disco de soul com a mesma garra dos que por aí andam há décadas. Durou dois discos, esse encantamento. Ao terceiro (Introducing), já a rapariga procurava outros caminhos, menos conservadores.

Esta quarta gravação procura a síntese entre o classicismo dos dois primeiros e a modernidade do terceiro. O resultado não entusiasma por aí além. O soul divide agora o palco com o funk, bem cantados, é certo, mas sem a garra dos primeiros discos, nem nada que os distinga de tanta música que todos os dias se edita. “4 and 20” é uma bela balada soul; “Parallel Lines”, um funk aceitável. Mas ainda não é esta reinvenção de Joss que lhe vai garantir a glória eterna

Sting - If On A Winter’s Night… *

2009-11-11T22:40:00.000Z

O Natal tem destas coisas – um belo laçarote esconde por vezes uma prenda sem graça. Época de boa vontade, sabendo-se que dela está o Inferno cheio. Este disco de Sting é lindo. Quer dizer, a capa, o livrinho, o DVD, o selo da Deutsche Grammophon na contra-capa… Como se de uma obra clássica se tratasse. E, na realidade, até por aqui surgem peças de Purcell, Schubert, Bach, a par de outras de autoria própria e de algumas tradicionais. Canções de Inverno, sombrias, mas também de júbilo, pelas neves, pelas alegrias do Natal.

O problema, o grande problema, é a concretização de tudo isto. Os arranjos, entre um classicismo light e as influências folk, a fazer lembrar, por exemplo, as aventuras de Enya, até nem são o pior. Má mesmo é a voz de Sting, completamente fora de contexto, monocórdica, chegando mesmo a ser desagradável. Um projecto destes exigia obrigatoriamente uma voz moldada pelos cânones clássicos. Em vez disso, temos uma voz dura, sem qualquer maleabilidade. Confrangedor.

Ludovico Einaudi

2009-10-28T23:37:00.000Z

O tecto do CCB não tem estrelas, e não há lá janelas por onde a luz quebre a escuridão. Essa é a paisagem que Ludovico Einaudi imaginou para a sua música. Manda o bom gosto e o bom senso que ninguém se lembre de decorar o local com objectos alusivos e deixe a imaginação da assistência fazer o seu trabalho.

Einaudi considera-se um desenhador de paisagens e por esta descrição dá para calcular que falamos de um compositor de música contemplativa, de um artesão de melodias simples. Uma música, enfim, minimal, embora o autor recuse, e bem, inscrever-se na escola do minimalismo. A respiração é, aqui, mais ampla, mais melódica, e sendo certo que se desenvolve em movimentos quase sempre circulares, não é menos verdade que as texturas pop e world music lhe conferem uma muito maior agilidade, muito familiar a quem gosta, por exemplo, de Rodrigo Leão.

A obra que Einaudi traz ao CCB é o disco Nightbook, um ciclo de temas escritos durante as constantes viagens do compositor à volta do mundo e que, de alguma forma, pretende ser uma reflexão sobre os contrastes entre a luz e a escuridão, o conhecido e o misterioso.

O piano, por vezes trabalhado electronicamente, é o centro desta música, em que as cordas e as percussões desenham ora vastos espaços abertos (“The Planets”), ora intensos crescendos orgíacos (“Eros”).

Daniel Merriweather - Love & War ****

2009-10-28T23:35:00.000Z

Eis a versão masculina de Amy Winehouse. Com o ar saudável de quem não vai cair na próxima esquina, garantindo uma certa continuidade a todo este soul e R&B minuciosamente recriado pelo mesmo Mark Ronson que esteve por detrás do mega-mega Back to Black.

Merriweather, australiano, 26 anos, é um protegido de longa data de Ronson. Desde 2003 que entra nos seus projectos e, graças a isso, os tops britânicos não lhe são propriamente estranhos.

Este disco de estreia tem inúmeros condimentos para arrasar nas rádios, nas pistas de dança e, claro, nos tops. A abertura é dedicada a Nova Iorque e rodeia-se da grandiosidade dos standards, mas é logo a seguir, com “Impossible”, que as coisas começam a fiar mais fino. “Impossible” é um hit instantâneo, movido descaradamente a soul revivalista, num ritmo avassalador. E a máquina infernal continua com “Change”, apoiado pelo rapper Wale. Mais à frente, “Red” mostra que também nas baladas são invocados os melhores dos melhores (abençoado Stevie Wonder).

David Gray - Draw The Line ***

2009-10-28T23:34:00.005Z

Há década e meia que David Gray anda por aí e não encontra o seu lugar. Um ou outro sucesso, mudanças de editora, afinações de estilo, tudo sem grande proveito. O balanço, comercial e criativo, acaba sempre na mediania.

Draw the Line não foge à regra. A abertura, com “Fugitive”, é prometedora, uma boa canção R&B, com o piano a marcar o ritmo acelerado, umas boas pinceladas de guitarras, um coro swingante e a voz de Gray em grande forma. Mas depois, incluindo com o tema que dá nome ao disco, cai-se numa certa monotonia. Gray é um bom escritor de canções, ele e o piano fazem lembrar por vezes os melhores momentos de Billy Joel (“Jackdraw”) e até há canções acima da média (“Transformation”, com um belo balanceado entre a voz e o piano), mas o registo excessivamente colado à balada folk acaba por prejudicá-lo. Isto, é claro, já nem contando com a teatral e completamente desnecessária colaboração de Annie Lennox em “Full Steam”.

Bob Dylan - Christmas In The Heart ***

2009-10-22T11:12:00.002+01:00

Dylan é uma lenda americana e às vezes, ofuscados pelo seu universalismo, tendemos a esquecer isso. Eis, então, um disco que nos recorda esse verdade essencial, um disco típico de uma lenda viva americana. Armstrong, Elvis, Sinatra e tantos, tantos outros, uns que foram lendas e outros que o tentaram ser, também gravaram os seus discos de Natal

Dylan tinha, pelo menos, duas maneiras de atacar o problema – fazer um disco de Natal, ou fazer um disco de Dylan. Optou por fazer um disco de Natal, o que só surpreende quem não o tem acompanhado atentamente. O ídolo que nos anos 60 recusou liderar a revolução, o músico maduro que, de tanto se reinventar, accionou a máquina do tempo e reencarnou os anos 40 e 50, como se nada tivesse havido depois. São assim os discos da última década.

E este disco de Natal insere-se precisamente nesse espírito, na ideia de uma certa imortalidade, de alguém para quem o conceito de geração já não faz sentido, porque ele mesmo é a ponte entre todas as gerações.

A sonoridade deste disco é idêntica à das suas últimas gravações, uma recriação dos sons acústicos dos anos 50, com algum country, algum jazz de salão, algum blues. Desenganem-se, pois, os que aqui vierem à procura de novidade – isto são apenas 15 hinos tradicionais de Natal, com instrumentos tradicionais de Natal, coros femininos e masculinos de Natal e… a voz de Dylan.

“Must Be Santa”, numa versão alucinada com o acordeão de David Hidalgo (Los Lobos), é a pequena loucura do disco. “The Christmas Blues”, num arrastado blues, poderia ter entrado em qualquer dos seus discos da última década. E depois há, é claro, aquela aventura de cantar “O’ Come All Ye Faithfull” em latim (!).

Todos os lucros do disco serão destinados a organizações humanitárias. É o que costumam fazer todas as lendas americanas. Obrigado Santa Dylan.

Barbra Streisand - Love Is The Answer *****

2009-10-14T12:57:00.003+01:00

Uma pequena obra de arte, eis o que é este disco. Tudo nele foi pensado ao pormenor e tudo nele resulta em algo muito perto da perfeição.

Barbra Streisand, aos 67, está com uma voz de fazer inveja a algumas raparigas com a aparência que ela própria ostenta na capa (vaidades que a ciência permite…). Uma voz que não perdeu a elasticidade, mas que é agora mais aveludada, e cujo registo frequentemente sussurrante corresponde plenamente às intenções deste disco.

A voz é, obviamente, o centro de todas as canções. Mas para que a voz sobressaia é quase sempre necessário que o acompanhamento musical seja, ele próprio, de excelência. É o caso. Diana Krall assume os comandos da produção, o que incluiu a selecção das canções (fica evidente, por exemplo, a fase bossa nova que atravessa, ao incluir aqui uma canção de Luiz Bonfá e outra de Ivan Lins), mas também o acompanhamento ao piano em alguns temas.

De uma ponta à outra, em 13 canções, fala-se de amor. Não de desencontros, desgostos ou algo parecido, mas de amor-amor. Alguns clássicos mais conhecidos (“Smoke Gets In Your Eyes”, “In The Wee Small Hours Of The Morning”) e outros nem tanto.

“Ne Me Quitte Pas”, de Brel, surge aqui numa versão bilingue, sendo que a parte inglesa é a famosa, e muito liberal, tradução de Rod McKuen, interpretada como só o autor sabia, ou não tivesse Barbra a mesma intensidade dramática – cada canção é interpretada como se algo de muito pessoal se tratasse.

Defeito, este disco tem um e os seus autores nem sequer são culpados – estas canções exigem quase uma hora de total disponibilidade, em quietude, e isso já não é fácil de encontrar nos dias que correm.

Jane Monheit

2009-09-30T11:45:00.004+01:00

A voz de Jane Monheit é tão bela quanto o seu rosto e há quem veja nisso um problema. Lembram-se dos acalorados debates sobre Diana Krall? Pode uma loira daquele calibre cantar jazz? Há, convenhamos, algum preconceito nesta questão – elas têm lá culpa de serem bonitas… E se normalmente associamos o jazz vocal feminino a mulheres mais complexas na atitude e na voz (Holiday, Fitzgerald), não podemos esconder outras caras mais bonitas e vozes mais celestiais (Julie London, por exemplo), com destaque assegurado na música que já foi negra.

“Linda” e “celestial” são precisamente duas palavras que assentam bem a Jane Monheit. A voz é perfeita – a sua carreira começou em 2000, após ter ganho um prestigiado prémio nessa categoria –, mas é uma voz sem rugas, sem sombras. Perfeitinha, seja em canções mais banais, seja nos temas de maior espessura. E isso, sim, pode ser um problema – algumas canções exigem um tormento na voz que Jane não alcança. Não que a interpretação não seja perfeita, será, talvez, até perfeita de mais, mas falta por vezes o grão ou golpe de asa que dramatiza as palavras e as notas.

O seu último disco (The Lovers, The Dreamers and Me, 2008), que servirá de base à passagem por Lisboa, junta clássicos (Porter, Bernstein) com escolhas menos óbvias e mais pop (Paul Simon, Fiona Apple, Ivan Lins), o que, de alguma forma, confirma estarmos perante uma jazzista impura. Vantagem: vem acompanhada de trio, cujas limitações naturais deverão conter o tom delicodoce de algumas orquestrações do disco.

Pete Yorn & Scarlett Johansson - Break Up ***

2009-09-23T22:19:00.002+01:00

Sexo. Não há volta a dar – este disco tem falta de sexo. Podemos fingir, usar eufemismos, e dizer que falta aqui paixão, talvez até sensualidade. Mas o que falta mesmo é sexo.
O objectivo de Pete Yorn era, confessadamente, imitar Gainsbourg e os duetos com Brigitte Bardot nos anos 60. BB não era ainda o sexo explícito que Jane Birkin viria a fazer uns anos depois, mas era já a voz entre o infantil e o sensual que servia as canções provocatórias de Gainsbourg.

Acontece que Scarlett Johansson tem voz infantil, mas a sensualidade deixa-a toda no ecrã. Falta-lhe a insinuação, a flexibilidade de deixar escorregar algumas sílabas para a garganta. E, claro, as canções de Pete não ajudam – falta-lhes o Diabo na alma do louco francês.

Fica-nos, então, um disco que conta a história de um romance que dá em separação. E as canções e os desempenhos vocais desamparados de comparações.

Importa referir que, apesar de só agora ter sido editado, este disco foi gravado em 2006 e as participações de Scarlett terão ocupado apenas duas tardes. Não faz sentido, por isso, qualquer comparação com o semi-desastre da estreia a solo da diva (Anywhere I Lay My Head, 2008) e que, afinal, foi gravado depois.

Break Up é basicamente um disco de Pete Yorn (apenas um tema não é de sua autoria), um rock que bebe nas origens americanas, coberto da sujidade da electrónica. Essas camadas e estrias electrónicas envolvem a voz de SJ e disfarçam a sua fragilidade. Ouvimo-la, em todo o seu esplendor, por exemplo, em “I Am The Cosmos” e é agradável, sem ser entusiasmante. Como o resto do disco, aliás.

Florence + The Machine - Lungs ***

2009-09-16T22:28:00.000+01:00

Nas canções de Florence vale tudo, mesmo tirar olhos. Literalmente. A receita é constante: chega de mansinho, com harpas, flautas e coisas parecidas, mas depois evolui para os bombos e aí é que são elas - desata a gritar e a debitar alguns dos versos mais violentos desde os alvores do punk. Uma espécie de Enya louca, pela veia celta, cruzada com Annie Lennox, pela estridência vocal. Florence, já perceberam, é toda ela energia e nesta dúzia de canções raramente nos dá descanso. E o problema talvez seja precisamente esse – esta é uma música um tanto cansativa. A composição é relativamente pobre – trata-se, antes, de uma persistente e algo repetitiva colagem de sonoridades, de tal maneira que, após várias audições, não se conseguem distinguir as canções umas das outras. O facto de Florence gritar do primeiro ao último segundo não ajuda. E como tudo isto gira à volta da violência sentimental/conjugal, se calhar, alguma ONG deveria tomar conta do assunto…

Colbie Caillat - Breakthrough **

2009-09-16T22:21:00.000+01:00

Colbie Caillat precisa de perder aquele sorriso levemente idiota que apresenta nas capas dos discos. Dito de outra forma, precisa de crescer, amadurecer, ter um ou dois desgostos de amor. Chorar, sofrer. Sofrer até já não chorar. Coisas sérias, enfim. Porque, com vinte e poucos aninhos, e ao segundo disco, continua a compor e a cantar canções de amor, como se a adolescência fosse eterna e, principalmente, um tanto parva. É claro que talvez não se possa pedir mais à californiana que, aos 21, deliciou o mundo com uma voz e uma cara linda (o CD chamava-se Coco e andou por tudo o que é top). Ela explora o filão e os fãs, muito provavelmente, agradecem. Ela até convida o seu alter ego masculino (Jason Mraz) para uma canção, o que deve agradar especialmente à claque feminina. Muito provavelmente, estamos a ser injustos – a juventude é para ser vivida com esta alegria e, por isso, nada melhor que gravar 12 canções que lhe sirvam de banda sonora.

Regina Spektor - Far ****

2009-09-02T12:17:00.000+01:00

Amadurecer seria o pior que poderia acontecer a Regina Spektor. E, no entanto, a inevitável lei da vida prossegue a sua marcha. Regina amadurece.

Felizmente, para já, o amadurecimento de Regina é subtil e, de certa forma, até a beneficia. Sim, porque uma Regina madura talvez seja uma Regina menos selvagem, espontânea, surpreendente, interessante. Uma Regina plenamente madura seria, talvez, apenas uma síntese de Tori Amos, Suzanne Vega, Joni Mitchell e mais duas ou três suspeitas. Mesmo assim, convenhamos, não seria nada mau.

Este terceiro disco de grande expansão de Regina Spektor (o começo de carreira é constituído por gravações caseiras) mostra-nos uma artista mais segura, de voz mais aveludada, menos estridente, menos irrequieta do que aquela que surpreendeu meio mundo com Begin to Hope (2006), (Soviet Kitsch, de 2004 teve uma carreira mais discreta) . Há ganhos e perdas, portanto, mas, no fim, tudo se equilibra.

O piano continua omnipresente, por vezes roçando o classicismo, por exemplo em “Machine”, um dos mais perfeitos exemplos do casamento entre esse background que Regina trouxe da Rússia com o rock que absorve na cena de Nova Iorque. “Machine” é, com “Dance Anthem Of The 80’s”, uma das canções que mais faz lembrar a Regina menos madura. O resto do disco tende a ser, digamos, mais arredondado. Tem baladas lindíssimas (“Genius Next Door” ou “Man Of Thousand Faces”) , canções que ficam no ouvido (“Blue Lips”, “Two Birds”), enfim, histórias banais (“Wallet”), das quais se tiram grandes lições sobre o Universo e coisas menores (“Human Of The Year” – uma canção que demonstra que é possível repetir “Aleluia” no refrão sem reinterpretar Cohen).

Liam Finn - I'll Be Lightning ****

2009-09-02T11:52:00.003+01:00

Há dois anos, a Rolling Stone colocou Liam Finn na lista dos novos artistas que valia a pena seguir. E fê-lo a propósito deste I’ll Be Lightning, saído primeiro na Nova Zelândia e depois no mercado internacional. Chega agora a estas paragens, numa altura em que se conhece a segunda gravação de fôlego (o EP Champagne in Seashells), do qual a revista americana ainda não deu nota.

Liam Finn sabe nadar talvez pelo facto de ser filho de peixe – mais precisamente de Neil Finn, a alma dos Crowded House. Mas saber nadar não é condição suficiente para sobreviver no mundo da música. Liam é, antes de mais, um fantástico escritor de canções, isso é o que mais sobressai deste I’ll Be Lighthing, nada mais nada menos que 14 exemplos da arte de bem compor.

É frequentemente comparado a Elliott Smith, do qual bebeu o gosto pela melodia, mas não a forte tendência depressiva. Se é verdade que a melancolia também mora aqui, a verdade é que por vezes a exuberância traz consigo a alegria, raios de sol. Estilisticamente, Liam Finn é, antes de mais, herdeiro dos songwriters dos anos 70, e nessa medida dos Beatles (“This Place Is Killing Me” e tantos outros traços melódicos que por aqui se ouvem). Mas isso é na escrita, porque na interpretação (e cabe aqui referir que Liam toca a quase totalidade dos muitos instrumentos) estamos perante alguém que bebe tudo, da folk (“Gather To The Chapel” ao psicadelismo (“Second Chance”), passando pelas guitarras como deve ser (“Lead Balloon”), até um belíssimo a cappella (“Lullaby”).

Segundo as últimas notícias, além do novo EP, Finn anda envolvido em algumas aventuras colectivas de contornos ainda pouco precisos. Vamos ouvir falar dele, certamente.

Stephen Sondheim - Road Show ****

2009-08-26T12:08:00.001+01:00

Não é todos os dias que se pode ir a Nova Iorque ver um musical. E, nesta aldeia global videográfica, dá um certo prazer nostálgico “assistir” apenas à parte sonora de um desses musicais.

Road Show é a versão mais recente, e pelos vistos definitiva, de um musical que estreou, em 1999, com o título de Wise Guys (sob a direcção de Sam Mendes) e que ainda teve outra encarnação como Bounce. A música e a letra são de um dos maiores nomes contemporâneos do musical americano (Stephen Sondheim).

Estamos perante a história verídica dos irmãos Mizner (um arquitecto e um dramaturgo/empresário), a quem o pai, na hora da morte, no início do século XX, pediu que usassem os respectivos talentos para “moldar” a América. E durante três décadas foi isso que fizeram, por entre mil aventuras.

Esta edição, em CD único e acompanhada de libreto, é uma boa oportunidade para revisitar uma das grandes tradições americanas.

Paolo Nutini - Sunny Side Up ****

2009-08-26T12:01:00.000+01:00

Tem nome de pizza italiana congelada, mas é na verdade escocês e pratica uma música que deve quase tudo às raízes americanas. Gravou o primeiro disco aos 18 e, três anos depois, mostra, com este segundo trabalho, que está uns bons furos acima da mediania que caracteriza a sua geração. E, ao colocar este CD no primeiro lugar do top britânico, mostra que se pode fazer música muito boa de que o povo gosta, sabendo nós como o povo anda com os gostos estragados.

Sunny Side Up é, como o título indica, um disco cheio de alegria, de vivacidade. Bebe no folclore escocês (“Worried Man”, “Chamber Music”), mas é na música tradicional e dos anos 50 do outro lado do Atlântico que mais se apoia (“Simple Things”, “Coming Up Easy”). A isso não deve ser alheio o facto de ter Ethan Johns como produtor e instrumentista em algumas canções.

“Candy”, amor exaltado mas adulto, talvez seja o bombom mais perfeito desta colecção.

Wilco - (The Album) ****

2009-08-05T12:18:00.001+01:00

Este bem poderia ser o disco dos Beatles que a América nunca conseguiu fazer. E a coisa até teria graça, neste ano (esperem pelo Outono…) em que a beatlemania está de regresso. Com alguma dose de boa vontade – estes exercícios exigem sempre alguma imaginação – conseguimos ouvir tiques vocais, apontamentos musicais, linhas melódicas, modos de resolver uma canção que poderiam fazer parte de qualquer um dos discos dos Fab Four, especialmente da fase final, ou até da fase a solo de McCartney e Harrison, especialmente.

Há uma canção descaradamente roubada ao Harrison dos anos setenta (“You Never Know”), a que nem falta a mesmíssima guitarra, mas há tudo o resto, em quase cada uma das canções. Ouçam, por exemplo, os primeiros 30 segundos de “Sonny Feeling” e imaginem Paul a cantar aquilo. E nas primeiras sílabas de “Everlasting Everything” até se consegue ouvir a respiração de Lennon, isto para não falar no modo como cada instrumento se acomoda na canção.

E, bom, para a teoria da conspiração falta ainda juntar que, à semelhança dos Beatles (com o álbum branco), também os Wilco decidem fazer um disco em nome próprio a meio da carreira…

Quem não estiver virado para este exercício um pouco alucinado, pode ouvir o disco por um prisma mais tradicional. Temos, então, uns Wilco maduríssimos, longe, muito longe, das experiências sónicas de outros tempos (“Bull Black Nova” será a excepção), mas também sem cedências ao apelo facilitista do country.

Trata-se, essencialmente, de um belo conjunto de baladas, já que são elas as rainhas do disco, se bem que o tema mais apelativo (“I’ll Fight”) seja uma poderosa reinvenção dyliana. Excelente para as festas de Verão.

Mazgani - Tell the People ****

2009-07-22T12:27:00.001+01:00

Há nesta segunda gravação de Mazgani um acentuado retorno às raízes. Coisa estranha, sendo as raízes a música americana e Mazgani um luso-iraniano. Mas a verdade é que esta segunda gravação (depois da estreia em CD de longa duração, em 2007) põe muito mais a nu o gospel, os blues e seus derivados que são a marca distintiva de um dos mais interessantes músicos portugueses da nova geração.

O megafone da capa deste EP não está lá por acaso. A música de Mazgani tem uma intensidade rara. Uma espécie de prece, ora serena, ora exaltada. A lindíssima “Dust In The Sun”, por exemplo, concilia as duas. Unindo tudo, um misticismo, que por vezes bebe directamente na Bíblia, e que não se fica pelas palavras, mas molda a pose, a entoação. Um misticismo que se estende às guitarras de Pedro Gonçalves, ora através de teias encantatórias ora em descargas vibrantes.

Este EP, com distribuição limitada (Net e Fnac), antecede o segundo trabalho de grande fôlego, prometido ainda para 2009.

Pretenders - Break Up The Concrete ****

2009-07-15T16:43:00.000+01:00

Este é o melhor disco dos Pretenders em muitos anos. E, se rivaliza com os primeiros da banda (anos 80) nesse estatuto, ele é em tudo diferente, mantendo apenas a voz a garra de Chrissie Hynde como fio condutor. Porque este é um disco americano, como americana é Chrissie. Embora os Pretenders sejam ingleses, como inglês é o seu som. A verdade é que o regresso da alma do grupo ao Oiho natal mudou tudo. Os Pretenders continuam a ser uma das melhores bandas de rock adulto com rebeldia qb, mas agora navegam em águas quase exclusivamente americanas, basicamente rockabilly e country. E o resultado é altamente audível. Seja na abertura, com “Boots of Chinese Plastic”a lembrar Dylan, seja na divertida “Break Up The Concrete”, ou na suave “One Thing Never Changed”. Curiosamente, a editora não acreditou no disco e a edição que agora nos chega tem como bónus um Best Of. Nunca é demais.

Dave Matthews Band - Big Whiskey & The Groo Grox King ****

2009-07-15T16:41:00.000+01:00

Quem diria? Um disco escrito e executado sob o signo da morte torna-se, afinal, um dos melhores exercícios da banda. Trazendo para estúdio, talvez como nunca antes, a vivacidade e a liberdade que os tornou famosos nas exibições ao vivo. A começar pelo título e espraiando-se por quase todas as canções, este disco é uma homenagem a LeRoi Moore, o baixista do grupo, que morreu em 2008 num acidente. As referências directas e indirectas são quase constantes, transformando a obra num festivo funeral de Nova Orleães, a que a capa faz referência. O disco não é, porém, surpreendente: trata-se daquele som cheio, que a partir do rock absorve referências jazz e world music. As canções valem por si, mas em cada uma delas vamos encontrando pormenores, especialmente de produção, que as tornam distintas. Os muitos seguidores da banda em Portugal têm aqui material para muitas horas de fruição.

Eric Clapton and Steve Winwood - Live From Madison Square Garden ****

2009-07-01T16:47:00.001+01:00

Os Blind Faith foram um dos mais evidentes meteoros da história do rock – três grandes músicos apenas conseguiram fazer um disco, num tempo (1969) em que a explosão de criatividade dos sixties procurava caminhos de sobrevivência.

Quatro décadas depois, dois dos protagonistas dessa experiência (o baterista Ginger Baker ficou de fora) voltaram juntos à estrada mostrar o que andaram a fazer e o que poderiam ter feito. Este duplo CD foi gravado nos concertos de arranque de uma pequena digressão americana e reúne velhos êxitos dos Blind Faith, dos Traffic (a banda em que Winwood vingou), de Clapton, velhos blues e… uma espécie de homenagem a Jimi Hendrix.

Apesar de estarmos na presença de titãs, não há choque. A guitarra e a voz de Clapton convivem serenamente com a voz e as teclas de Winwood, sem exibicionismos em excesso. Em suma, uma boa amostra de um rock que resistiu a modas e do qual, curiosamente, encontramos mais semelhanças do que seria de esperar com a música que hoje se faz.

God Help The Girl ***

2009-07-01T16:45:00.001+01:00

Eis, então, o novo disco dos Belle & Sebastian. Perdão, este não é um disco dos B&S. É, isso sim, mais um conjunto de belíssimas canções que Stuart Murdoch, o senhor B&S, decidiu colocar maioritariamente nas cristalinas vozes de umas meninas que ele descobriu.

Em 2010, estas canções deverão ser a banda sonora de um filme, escrito por Murdoch, acerca de uma moça hospitalizada com problemas nervosos mas que – adivinharam! – simplesmente está a aprender a lidar com o amor, os desamores e o mundo dos adultos.

Por agora, temos a canções. Perfeitas (“Come Monday Night”), ou não tivessem saído das mãos de Murdoch, mas cujas interpretações demasiado bem comportadas lhes conferem por vezes um tom meloso quase monocórdico.

Quando Murdoch aparece (“Hiding Neath My Umbrella”) as coisas assumem um cariz mais genuíno. Já Neil Hannon (Divine Comedy) não consegue conferir densidade a uma “Perfection As a Hipster” demasiado teatral. Talvez que o pequeno problema deste disco seja esse – a contingência da banda sonora.

Wilco - Ashes Of American Flags **/*

2009-06-10T16:49:00.001+01:00

Reduzir a música dos Wilco a um mero country alternativo é, perdoe-se a redundância, redutor. E este DVD é a mais perfeita demonstração disso mesmo.

É claro que a base country é audível em todas as canções. Mas digamos que funciona mais como ponto de partida do que um meio de expressão. A música dos Wilco explode em várias direcções e coloca-as, por vezes, num patamar de experimentalismo que deixa muito para trás as raízes.

O DVD retrata uma digressão pela América, capturada em quatro auditórios e ocasiões bem diversas (Tulsa, Nova Orleães, Nashville e Washington), em que os momentos, digamos, mais bem comportados, alternam com autênticas explosões sónicas, das quais as trovoadas musicais que irrompem em “Via Chicago” são apenas o exemplo mais demonstrativo.

A serenidade de uma banda madura é, porém, a marca dominante deste conjunto de actuações, em que podemos ouvir algumas das melhores canções dos Wilco.

Os segmentos musicais são intercalados por registos de bastidores, que tanto mostram o dia-a-dia de uma banda em digressão, como conversas sobre música, como retratos da América. Há, por exemplo, os pormenores das polaroids de um dos membros da banda: retratos de uma América que desaparece através de uma tecnologia que desaparece. São imagens que, no fundo, justificam o título nostálgico do DVD – cinzas de bandeiras americanas.

Uma das cenas de bastidores mais deliciosa é a que se relaciona com o estado físico da banda. Andar na estrada, é sabido, não faz bem à saúde. O baterista queixa do pulso aberto, ao guitarrista doem-lhe as mães e a garganta de Jeff Tweedy é cuidadosamente examinada. Percebemos, depois em palco, porquê. Diz ele que, se aquele concerto fosse considerado um dos melhores do mundo (!), o prémio teria que lhes ser retirado – ele próprio estava ali a cantar carregado de esteróides para se aguentar.

No campo dos extras, além de meia dúzia de canções que sobraram do alinhamento, a possibilidade – que deveria existir em todos os DVD musicais – de descarregar da Net a banda sonora para ouvir em CD.

Iggy Pop - Preliminaires ****

2009-06-09T16:58:00.000+01:00

Primeiro aviso preliminar: os fãs de Iggy Pop devem pensar duas vezes antes de comprar este disco.

Segundo aviso preliminar: este disco é muito bom e qualquer pessoa de bom gosto deverá ouvi-lo.

É claro que, com isto, não se pretende dizer que os fãs de Iggy Pop são pessoas de mau gosto. Mas, aos 62 anos, diz ele num texto de promoção ao novo disco: “Estou um bocado farto de ouvir rufias idiotas com guitarras”. E, bom, isto deverá magoar ligeiramente a legião de punks e pós-punks que o adoptaram como avô.

Este disco, a começar pelo título, é todo francês, se bem que apenas uma canção utilize essa língua – a mais que célebre “Les Feuilles Mortes”, em duas versões arrebatadas. Mas, a abrir e a fechar, é ela que marca todo o ambiente deste Preliminaires. É certo que há por aqui muita influência jazz (“King Of The Dogs”) e até – ah sim – guitarras barulhentas (“Nice To Be Dead”), uma canção que é tal e qual Doors (“A Machine For Loving”), outra que anda pelo blues (“She’s A Business”) e que Nick Cave ou até Leonard Cohen se escondem em algumas esquinas.

Mas a grande influência é mesmo Gainsbourg e o seu pop francês que foi beber, ele próprio, influências a tudo o que atrás foi descrito. Até uma ninfeta Iggy arranjou para que não tenhamos dúvidas (“Je Sais Que Tu Sais”). “I Want To Go To The Beach” ou “Spanish Coast”, duas das mais melódicas canções, poderiam perfeitamente ter sido escritas por um dos compositores franceses da actualidade. A esta marca francesa não será alheio o facto de o autor ser ter inspirado para algumas das canções no livro A Possibilidade de Uma Ilha, de Michel Houellebecq (“A Machine For Loving”) é mesmo uma transcrição dessa obra).

Acho que não será ofensa dizer que Iggy Pop amadureceu. E que ganhámos um novo artista chamado… Iggy Pop.

Richard Swift - The Atlantic Ocean ****

2009-05-27T17:16:00.000+01:00

Ouve-se a primeira canção e parecem os Beatles serôdios que ressuscitam. Salta-se para a última, “Lady Luck”, e caímos no meio de uma gravação da Motown dos tempos áureos. E depois há a segunda, “The Original Thought”, que parece Kinks cruzado de Van Dyke Parks. E todas outras parecem ter algo daquele som de cabaret sofisticado de Van Dyke Parks, ou então qualquer coisa dos anos sessenta.

Richard Swift é aquilo a que podemos chamar, com toda a propriedade, um “ganda maluco”. Um génio meio avariado. Um Rufus Wainwright que, em vez de se concentrar no essencial, gosta é de pegar nas melodias e pôr-se a brincar com elas. A ver se resistem.

É claro que todas estas comparações resultam numa enorme injustiça. Porque Swift sabe mesmo escrever canções e, de certa forma, não tem culpa de, tão novo, ter absorvido tanta e tão boa música.

Um disco para quem gosta de ser surpreendido. Mesmo quando se pensa que já se conhece.

a Jigsaw - Like The Wolf ****

2009-05-27T17:14:00.001+01:00

Coimbra, como toda a gente sabe, fica algures numa daquelas florestas americanas. Onde desapareceu Laura Palmer, acho que entre os States e o Canadá.

O som desta banda de Coimbra é totalmente americano. No inglês das canções, na opção pelas raízes blues e folk, nos instrumentos (banjos, violinos, guitarras acústicas, pequenos instrumentos de magia…). Mas também nas histórias, que nada têm de cá, mas que conseguimos facilmente localizar numa das tais florestas, cheias de póneis castanhos e lobos nocturnos (muitos lobos há nestas histórias de amores, viagens e encantamentos).

O grupo (João Rui, Jorri e Susana Ribeiro) já anda na estrada há uma década e este é o segundo trabalho de grande fôlego. Um trabalho maduro, a revelar grande criatividade e profissionalismo, com uma produção bastante cuidada.

Apesar de se tratar de uma aposta assumidamente destinada a minorias (afinal de contas, há sempre os originais e nem esses vendem assim tanto), merece alguma atenção a quem gosta deste género musical.

Bob Dylan - Together Trough Life ******

2009-05-06T17:18:00.000+01:00

É como quando se fala de Vinho do Porto. Há as colheitas vintage e dessas pouco mais há a dizer que enaltecer a sua excepcionalidade. De um Dylan vintage – e este é um Dylan vintage – pouco mais há a dizer. Excepcional. Tudo o que a partir daqui possa ser dito só contribuirá para vulgarizar o que o não deveria ser.

De há uns anos a esta parte, mais precisamente desde 1997, com Time Out Of Mind, Dylan está a construir um legado que apenas rivaliza, na sua longa carreira, com a época áurea de meados dos anos 60.

Houve quem pressintisse nesta fase algo de crepuscular, um acerto de contas com a vida, uma reflexão sobre o fim. Este Together Trough Life vem contrariar claramente essa tese.

Este é um disco claramente romântico. Em que o amor é o último refúgio de um mundo turbulento. Aqui e ali, há versos cáusticos sobre “estados falidos” e coisas afins (“My Wife´s Home Town”). Mas o romance, bem ou mal sucedido, é o que atravessa todas as canções. E também o sonho (“This Dream Of You”), mesmo quando Dylan admite que, com ele, os sonhos não funcionam, mesmo quando se tornam realidade…

À semelhança do que acontecera com os seus últimos registos, musicalmente somos remetidos para épocas pré-rock. No caso, o blues, chegando a ouvir-se citações directas de Willie Dixon (“My Wife’s Home Town”), cruzado com uma forte influência tex-mex, não sendo por acaso que o acordeão de David Hidalgo (Los Lobos) é omnipresente. O disco terá sido gravado num acto de urgência criativa e isso nota-se nos arranjos imediatistas, sem grandes pretensões.

A canção mais marcante talvez seja “I Feel A Change Comin’ On”, na sua ambiguidade entre a política e o discurso amoroso, numa tapeçaria de versos que fará as delícias dos dylanófilos.

Como já vem sendo hábito, há edições para todos os gostos, com extras que incluem entrevistas, posters e amostras do programa de rádio de Dylan.