João Coração - Soberana ***

Comecemos pela maior fragilidade: João Coração não tem a voz límpida, o fraseado certeiro, que estas canções luminosas e vibrantes exigiam. O facto de essa vez surgir imersa, de forma deliberada ou acidental, num som de estúdio um tanto empastelado não ajuda muito. Não faz sentido que, por vezes, tenhamos dificuldade em entender o que está a ser cantado... Isso nota-se mais nas canções de orquestração mais densa – “Amor e Verão”, ou “Miúda” –, já que nos temas mais despidos o quase sussurro até funciona, como em “Dlim Dlom” ou em “Buganvília”. O melhor do disco são, mesmo, as canções, pequenas encenações de histórias de amor e do seu contrário, num universo sempre pop. Guitarras e sintetizadores remetem-nos para o universo romântico de feira, como em “Nunca Mais”, que se esvai na magia de uma caixinha de música executada pelas teclas. “Soberana” rompe um silêncio de 15 anos do autor e talvez a falta de rodagem se note um bocado.

Diogo Clemente - Amo-te e Outras Coisas Pra te Dizer ****

Um disco que tinha tudo para dar certo. Aconteceu. Diogo Clemente é filho de fadista, cantou fado na adolescência, passou pelo Conservatório Nacional, acompanhou Carlos do Carmo em palco e, nos últimos anos, já nos bastidores da produção, deixou o seu nome associado a discos de António Zambujo, Ana Moura, Carolina Deslandes, Bárbara Tinoco, Carminho, Mariza, Raquel Tavares ou Sara Correia. E, no entanto, este primeiro disco em voz própria, não estava programado. Nasceu de um livro de poemas, com o mesmo título, do qual foram saindo estas canções, que o autor considera demasiado intimistas para serem cantadas por outras vozes. O registo, como se esperaria, vai do fado (“Senta-te à Mesa” – uma das duas únicas canções não integralmente de sua autoria), à música de raiz africana (“A Pequena”), ou ao jazz latino (“Sempre”). E vai da extrema simplicidade de uma guitarra baixo ou de nylon a quartetos de cordas. Sofisticado, como seria de esperar.

Janita Salomé - Pássaro Azul ***

Janita Salomé juntou velhos e novos amigos para regravar dez temas da sua discografia. José Cid trocou-lhe as voltas e fez questão de juntar a sua própria versão de “Ciganos” (letra de Manuel Alegre), pelo que o disco acabou por ficar com 11 temas (não lhe digam, mas a versão do Cid não acrescenta nada). De resto, como era de prever, há por aqui belíssimos duetos, como o que junta Janita a Camané (“Homens do Largo”), ou Maria João (“Não É Fácil o Amor”), ou mesmo o instrumental “Palestina”, com os Fogo Fogo. Este tema, assim como a reinterpretação da canção sefardita “La Rosa Enfloresce” (com Ana Bacalhau), a que se poderia juntar “Zeca” (letra de Hélia Correia, dueto com Filipa Pais), preenchem a vertente política de quen Janita nunca abdicou. Isso e os poetas (além dos já citados, Natália Correia e o seu “Creio nos Anjos que Andam pelo Mundo”, com Marisa Liz. Em alguns momentos, diga-se, espreita a saudade da ingenuidade e força alentejanas dos originais.

Blind Zero - Courage em Doom ***

Os Blind Zero comemoram o 30.º aniversário com o 10.º disco de estúdio de longa duração. Nestes 30 anos, a banda do Porto que escolheu cantar em inglês e que alguns comparam aos Pearl Jam conseguiu uma base segura de fãs que acorrem aos seus concertos e um sucesso comercial moderado. Não será este disco que vai mudar isso. Nas entrevistas que concederam a propósito deste lançamento, respondem de forma indireta a essa constatação, afirmando o valor supremo da liberdade de, a cada momento, gravarem o que bem entendem, sem olhar a modas. Ar do tempo, neste disco, apenas o peso da pandemia, das guerras e do desatino do mundo, que espreitam a cada esquina. É, por isso, um disco particularmente sombrio, nas letras e na repetição obsessiva dos refrões, peso acentuado pela autêntica parede de som de guitarras, ritmos e eletrónica.  “Running Back to You” e “I Only Miss You When I'm Breathing” são dois bons pontos de partida para a audição.

Teresinha Landeiro - Para dançar e para chorar ****

“Se é o medo, deixa que seja / abre-lhe a porta, a tua”. Em “Visita Inesperada”, letra e músicda própria, a voz de Teresinha Landeiro continua cristalina, como no primeiro disco (“Namoro”, 2018), mas agora já não é a intérprete de “fado jovem e leve”, como se anunciava no segundo (“Agora”, 2021). Não há, aliás, nada disso, nem amor, sequer, em todo este terceiro disco. Pela primeira vez, esta que é umas vozes mais relevantes de uma novíssima geração de fadistas aborda as temáticas mais sombrias que normalmente associamos ao género. E de que maneira! Em “Chegou a Hora” é a morte por opção própria, em “O Que Somos” é a perda da memória, por doença ou idade. E mesmo quando a surge a alegria, “Maré de Sorte”, é só porque alguém partiu. Um disco de grande rigor estilístico, mesmo quando (“Visita Inesperada”), à voz se junta apenas a guitarra elétrica, ou quando a palavra “instagram” se estreia no fado (“Maré de Sorte”).

Ana Lua Caiano - Vou Ficar Neste Quadrado ****

Estas canções do medo são um dos melhores testemunhos produzidos pela ficção nacional acerca da pandemia. Porque foi nesses dias de cerco, no longínquo 2020, que Ana Lua Caiano decidiu juntar as memórias da infância (José Afonso, José Mário Branco, ouvidos pelos pais), à sua música quotidiana (Bjork, Portishead), e ainda às lições de clássica e jazz. Desde então, gravou dois EP e entrou com algum estrondo no circuito dos festivais, regressando agora a essas canções, porque o distanciamento permite que temas como “O Bicho Anda Por Aí”, ou “Vou Ficar Neste Quadrado” assentem que nem uma luva noutros medos, bem mais presentes. A voz, as vozes, são o elemento condutor destas 11 canções. Os instrumentos populares e as vozes e sons da rua surgem-nos reestruturados pela eletrónica. Os autores de referência dos pais já tinham feito algo parecido com temas de raiz popular. Agora juntam-se-lhe os computadores e é bom saber que alguém prossegue a tradição.

Rita Vian - Sensoreal ***

Rita Vian chega ao primeiro disco de grande fôlego como um nome consagrado, fruto de bem conseguidas gravações menores, no que à duração diz respeito, e de uma surpreendente presença nos circuitos de festivais e outras atuações ao vivo. É por isso mesmo um dos valores seguros desta corrente que ancora paisagens e histórias urbanas em toadas ancestrais, com destaque para o fado e danças tradionais, servidos por eletrónica e percussão, basicamente. No caso de Rita Vian, a temática aborda as relações, num registo existencialista, que rejeita lugares e soluções comuns. As maiores fragilidades surgem de uma assumida menorização da base instrumental, que muitas vezes serve praticamente de fundo neutro a um canto declamatório e, logo, também ele pouco colorido (“Vida a Dois”). O tema forte do disco (“Cuido de Mim”) alia uma letra forte, menos palavrosa e atropelada mas densa de conteúdo, e uma voz com maior plasticidade. Um filão a explorar. 

Ricardo Ribeiro - Terra Que Vale o Céu ****

Ricardo Ribeiro (Lisboa, 1981) coleciona prémios, menções e referências de todo o tipo numa quantidade rara entre fadistas e mesmo outros artistas da nossa era. E tudo isso sem enveredar pelos caminhos de algum experimentalismo que boa parte da sua geração escolheu. Aqui, cultiva-se a tradição, que não é a mesma coisa que repetição. E essa tradição não é necessariamente apenas fado. É dança de percussões, em “Vira-Voltas”, ou uma coisa quase berbere, em “Terras Dum Mar Interior”, um original de Amélia Muge. Sim, a tradição aqui faz-se também de originais contemporâneos, sejam eles de outros fadistas (“Chave da Memória”, de Carminho), seja de poetas sobre fado tradicional (“Fado Passado”, de Nuno Júdice / Fado Franklin). “Tronco e Raiz”, um tema integralmente escrito pelo fadista, curiosamente afasta-se dos cânones e aproxima-se do fado-canção. Uma outra tradição, afinal.

André Henriques - Leveza ****

 

Leveza, mais que título, é conceito, atitude. Depois do “Cajarana” (2020), gravado na grande cidade, com toda a sua eletricidade e agitação, André Henriques (dos Linda Martini) traz-nos agora este segundo disco, a sua versão campestre, reflexo da sua nova vida algures na Ericeira. É um disco que remete frequentemente para o universo da bossa nova e a sua forma desacelerada de cantar o mundo. E há também muito experimentalismo, oriundo do jazz e da música eletrónica. A eletrónica é, de resto, omnipresente, ora entre a discrição de um tapete sonoro, ora irrompendo (d)a calmaria de alguns temas. O resto é praticamente acústico, percussões, metais, vozes e guitarra. Há uma trilogia de lançamento (“As janelas são de abrir”, “Os fantasmas de amanhã”, “Espanto”), para a qual Paulo Segadães realizou vídeos que lhe fixam a atmosfera, mas o disco vale pelo exercício de descoberta, no qual as inusitadas letras assumem papel de relevo.

Cristina Branco - Mãe ****

É possível ouvir este disco como se de um bailado se tratasse, com o piano de Luís Figueiredo (“Noite Apressada”), a guitarra de Bernardo Couto (“Rio de Nuvens”), ou o elegantíssimo contrabaixo de Bernardo Moreira, a assumirem à vez a frente do palco. Mas essa narrativa passaria, claro, ao lado do principal. Toda essa rendilhada e dedicada encenação coloca no centro a voz, segura, serena, de Cristina Branco. Tudo se passa num universo ambivalente, em que o recurso permanente ao fado tradicional se cruza com abordagens disruptivas, especialmente nos arranjos, seja pelo deambular inesperado do piano, seja pelos acordes de guitarra colocados em locais pouco ortodoxos. O resultado é sempre surpreendente. E belo, há que dizê-lo. Resta registar o óbvio, o contributo fundamental de velhos em novos poetas, sejam eles Natália, Mourão-Ferreira, Lídia Jorge, Manuela de Freitas, Aldina Duarte ou Teresinha Landeiro.

Memorabilia - Richard Wagner - Die Walkure

Quando era maestro residente da Orquestra Filarmónica de Israel, Zubin Mehta decidiu interpretar um excerto de Tristão e Isolda, a ópera de Richard Wagner (1813-1883). Resultado: músicos pediram escusa, espetadores saíram da sala e outros ficaram, mas foram protestando ruidosamente. 

Wagner não está interdito em Israel, mas a execução das suas obras é fortemente desaconselhada. O compositor de Bayreuth, cidade alemã onde viveu e que celebra um famoso festival em sua honra, tem escritos de juventude profundamente antissemitas e considerados precursores do nazismo, de tal forma que se transformou no favorito de Hitler. 

Mas é também autor de algumas das obras mais marcantes do século XIX, especialmente no campo da ópera. O que fazer? 

O tema tem feito correr muita tinta, mesmo antes das redes sociais e da cultura do cancelamento. Há quem considere que a obra de Wagner é uma consequência das suas ideias, e existem razões estéticas que sustentam a tese, e há quem considere que aquela música sublime é superior a tudo. 

Francis Ford Coppola fará certamente parte do segundo grupo, de tal forma que escolheu um trecho de Wagner para banda sonora de algumas das cenas mais exaltantes de Apocalipse Now (1979) – a Cavalgada das Valquírias, na célebre interpretação de Georg Solti, com a orquestra de Viena (1966). 

Sem qualquer gosto musical que se lhes conheça, os mercenários que Putin contratou para invadirem a Ucrânia usam o nome de Wagner como bandeira, num apelo primário à ideologia do compositor. 

Wagner fez, é certo, a cama em que a sua música se deita. Poderemos ouvi-la fora do contexto em que nasceu?

Carminho - Portuguesa *****

O fado anda a ser reinventado, pelo menos, desde que Amália trouxe o saxofone de Don Byas para os seus discos e começou a cantar poetas contemporâneos. Nem Carminho, nem outros da atualidade, estão, portanto, a inventar nada. Mas não é por acaso, porém, que se traz Amália aqui. Carminho atravessa uma fase de infinitas possibilidades, como já se ouvira em “Maria” (2018) e se confirma na atual circunstância. Voz seguríssima, já sabíamos, a que junta cuidado e grande sensibilidade na escolha de autores, temas, referências, poetas, companhias, num balanço permanente entre a tradição e a abertura de caminhos. E por isso há aqui Marceneiro e Sophia, mas também Marcelo Camelo e Rita Vian (belíssimo dueto), e as guitarras ganham a companhia do mellotron e da pedal steel, muitas vezes a determinarem a atmosfera. “Praias Desertas”, de sua total autoria, sintetiza, em forma e conteúdo, essa tensão que atravessa o disco.

Pedro Branco - Amor ****

Da voz cheia, profunda, bem colocada, às orquestrações predominantemente acústicas, aos coros a fazer lembrar “Por Este Rio Acima”, tudo em Pedro Branco remete para um estilo musical datado. Já quase ninguém faz música com esta serenidade e este sentido do tempo, de haver tempo para ouvir. A memória de José Mário Branco fica-se pelo apelido, por um outro ou outro raro momento vocal e, sim, pela inscrição na linhagem dos cantautores. Depois de “Contigo” (2018), esta é a segunda gravação de fôlego de Pedro Branco, para a qual convocou quinze vozes femininas, às quais se junta o filho, Diogo, na belíssima “Sempre Refeito”. Capícua, Ana Bacalhau, Filipa Pais, Uxía, Amélia Muge – são apenas algumas das vozes que se desdobram em duetos em volta dos vários significados do amor. Uma excelente oportunidade para recuperar o prazer de ouvir sem pressa.

Toty Sa'Med - Moxi ****

Um dos segredos mais mal guardados da música africana que tem vindo a encontrar em Lisboa uma casa acolhedora. Toty Sa’Med já é bem conhecido das colaborações com Dino D’Santiago, Sara Tavares, Aline Frazão, ou Kalaf Epalanga. Isto já para não falar de um dueto com Joss Stone, em 2017. Mas foi preciso esperar por uma pandemia, uma viagem entre Luanda e Lisboa, real e simbólica, e a bonita idade de 33 anos, para que tenhamos a sua primeira gravação de longa duração, “Moxi” de seu nome. Um disco em que, naturalmente, se cruzam kuduro, semba, kizomba e outras sonoridades de África. Mas em que a eletrónica surge de forma omnipresente, mas bem serena, que confere a esta música uma indiscutível modernidade globalizada. A quem chega aqui pela primeira vez não pode deixar de surpreender a belíssima voz, que tanto serve baladas intimistas (“Supera”), como temas de dança de suprema elegância (“Bem Bom”). Uma espera que, enfim, valeu a pena.

Kátia Guerreiro - Mistura ****

A procura de novos caminhos para o fado daria panos para mangas, houvesse para tal ambiente propício, fosse pela via da divulgação radiofónica, por um circuito mínimo de atuações ao vivo, ou simplesmente pelo consumo de música, nas suas várias vertentes. Dos novos aos consagrados, todos parecem querer reinventar a tradição. Kátia Guerreiro, que – como a própria reconhece – praticamente renasceu pelas mãos de José Mário Branco, insiste na inquietação, com um disco fortemente ancorado na tradição, mas que procura outras formas de respirar. Ainda José Mário (“Xaile Negro” e “Tempo de Viver”), Pedro de Castro e Tiago Bettencourt assim a produção, numa constelação de estrelas que vai de Rui Veloso a Rita Redshoes, de Hélder Moutinho a João Monge ou Zeca Medeiros. E pela pena de Manuela de Freitas (“Lisboa Perdeu a Voz”) chega-nos a perplexidade pelos caminhos atuais do fado. O disco é comercializado em formato de livro, com acesso a conteúdos digitais.

Os Lacraus - Dickens ***

O cânone do rock, revisto e consolidado pelo punk, determina que a coisa se desenvolva a partir de uma sólida base rítmica de baixo e bateria, ornamentada por guitarra ou guitarras, rudes e pouco ousadas. As teclas dão espessura e pouco mais, sendo que a voz se quer avessa à melodia, se possível à beira do desafinanço. Os Lacraus cumprem o cânone com devoção, sendo que Tiago Cavaco acrescenta ao exercício uma patente dificuldade de encaixar as sílabas na pauta musical, como acontece logo na abertura, com “A Maneira Culta de te Mandarem Embora”. A grande diferença em relação a outras bandas punk será a grande criatividade das letras, a sua erudição, o sentido de humor (“Hoje Sonhei que Já Lá Estava”) e, obviamente, as referências religiosas. Tudo junto, dez anos depois de “Os Lacraus Encaram o Lobo”, dez canções para dançar, cantar, exultar, libertar. Já não é mau.

The Gift - Coral ***

A evidência: este é um disco de rutura. Dúvida: trata-se de um objeto único, ou do primeiro capítulo de uma fase, um novo caminho? Deixemos de parte aquilo que não tem resposta. Mais seguro será procurar no passado as raízes da rutura: o gosto crescente pelas eletrónicas e pelas grandes massas (ouça-se “Verão”, de 2019), um tédio evidente com os formatos mais tradicionais da canção pop. Apesar de tudo isso, o risco aqui assumido é gigantesco. A banda quase abandona o formato da canção e o figurino instrumental tradicional, para se lançar numa aventura densa de texturas eletrónicas e vocais (um coro de 48 vozes, talvez demasiado omnipresente). Isso é mais evidente nos temas soturnos (“Noir”, ou “Dissonante”), mas mesmo alguns esboços de canção (“O Regresso”) acabam entregues a essa dinâmica, salvo seja. A versão quase-fado do “Adágio”, a partir de Albinoni, arrisca-se, pelo reconhecimento, a ser o tema mais apropriável pelos não-fãs.

Chico César - Vestido de Amor ****

Este disco de Chico César, o décimo em 27 anos de carreira, ficará certamente marcado pelo tema “Bolsominions”, lançado em plena pré-campanha para as eleições presidenciais de outubro, no Brasil, nas quais o cantor gostaria que fosse derrotado de vez aquilo a que chama de “neofascismo” vigente. Fortíssimo, esse é, porém, o único tema de intervenção, num disco todo ele, como de costume, apontado às pistas de dança. Chico cruza com particular alegria – bem patente em “Vestido de Amor”, o primeiro single –, ritmos que vão do reggae ao forró, passando pelas rumbas africanas ou sonoridades do mais puro rock. A doçura – “Amorinha” e “Te Amo Amor” – é a única força a rivalizar com a dança, num disco otimista de uma ponta à outra. Gravado em França, em 2021, conta com a participação de um dos ídolos do compositor, Salif Keita, em “Sobre Humano”, e do pianista congolês Ray Lema, em “Xangô, Forró e Aí”. 

Angel Olsen - Big Time *****

“Chasing the Sun”, que encerra o disco, envolta em cordas, é um hino à felicidade. Na primeira pessoa. Do plural. E tudo isto são novidades em Angel Olsen. Bom, as cordas eram tudo em “All Mirrors” (2019). O resto, a companhia, a felicidade, essas, sim, são novidade. Este disco acontece na sequência de acontecimentos relevantes na vida pessoal de Angel – a assunção pública de um amor, a morte dos pais – e isso percebe-se a cada canção. Porque há canções de perda (“Right Now”), como antes, no início da carreira, mas agora também há aceitação, esperança e amor (“Big Time”). Há, portanto, uma riqueza temática que torna empolgante a audição e a descoberta, bem patente na complexidade de “Right Now”. Musicalmente, estamos perante um regresso ao country inicial, após a experiência orquestral de 2019 e o disco a solo de 2020. Correndo o risco do lugar-comum, esta é uma obra, talvez a primeira, de perfeita maturidade. Um novo capítulo.

Harry Styles - Harry’s House ****

A propósito deste disco, a Rolling Stone garante que estamos perante um Mick Jagger desta nossa idade mais iluminada. A revista americana refere-se especialmente à atitude de gentleman rock´n´roll que Harry Styles tem cultivado, com um pé nas revistas de moda e outro nos tops dos magazines de música. As semelhanças terminam aí. A música de Styles é mais devedora da face sofisticada dos anos 1970, ou das pistas mais elegantes de dança da década seguinte. Na verdade, a hiper-produção com que os seus discos se apresentam vai buscar influências um pouco a todo o lado, sem que isso comprometa a originalidade e criatividade. Não há aqui ponta de melancolia, tudo é exuberância, num exaustivo enumerar de situações, alimentos (!) e outros objetos dignos – lá está – de revistas de moda sofisticadas. “Music for a Sushi Restaurant” abre o disco e dá o tom.

Amélia Muge - Amélias *****

Nem sempre os títulos dos discos dizem grande coisa sobre o que está lá dentro. Este, acreditem, diz e muito. Neste disco, não há apenas uma Amélia Muge, mas várias, muitas, impossíveis de contar. Ao longo de 30 anos de carreira (com poucos discos a solo, mas com múltiplas colaborações e outras tantas aventuras em vários palcos das artes), Amélia Muge foi ensaiando o que agora se mostra em todo o esplendor: um disco que vive praticamente apenas da sua voz, seja no papel principal, seja nas várias harmonizações com que, multiplicando-se, assume quase por inteiro o papel orquestral, criando ritmos e melodias, em gravações que se sobrepõem e sobrepõem. Além da voz múltipla de Amélia, pouco mais se ouve neste disco, à excepção de vários instrumentos de ritmo e um outro discreto apontamento de outra ordem. Como sempre, Amélia Muge explora o universo da música tradicional (“Meu Coração Emigrou”), do fado (“Chove Muito, Chove Tanto”), das vanguardas (“Diferente”). 

Aline Frazão - Uma música angolana ****

O regresso de Aline Frazão aos discos faz-se num registo de alegria e festa. Após o mais intimista e sereno “Dentro da Chuva”, de 2018, a música angolana – sim, música, o feminino de músico – rodeou-se de conhecidos e mais longínquos companheiros de ofício para uma celebração. Estávamos no segundo semestre de 2021 e já se antevia o fim da clausura da pandemia, havia, pois, que celebrar. Neste quinto disco, fica ainda mais evidente a triangulação que Aline realiza entra a Angola natal, Portugal de acolhimento e Brasil como ponto de união. Quase se sente a presença de Elis a certos passos de “Batuku”... O disco abre com “Luísa”, a celebração de todas as mulheres num nome. Tem convidados de origens várias e temas, também eles, de várias origens. “Valsa da Libertação”, que Ricardo Ribeiro musicou a partir de Pedro Homem de Mello, surge em simultâneo no novo disco de Dulce Pontes, embora quase irreconhecível.

José Cid - Vozes do Além ***

A piada é fácil, mas inevitável. José Cid, reconhecidamente vaidoso, faz finalmente um disco do outro mundo. Um disco sobre a reencarnação, em que – acreditem – a expressão “do além” surge em, nada mais nada menos, que três canções: “Homem do Além”, “Vozes do Além”, “Guitarras do Além”. Sim, este é um disco bastante repetitivo, seja na temática tétrica, seja na vibrante guitarrada elétrica, embora igualmente entediante, de tão previsível que é. Um disco longo, porque, na boa tradição do rock progressivo (!), estes temas devem ser sempre abordados numa perspetiva meio operática, se não ninguém leva a sério. Cid tem rodado nos últimos anos por festas e bailaricos em todo o país, mantendo uma popularidade transgeracional invejável. Essa oleada máquina de fazer música garante chão firme a uma aventura demasiado etérea. “Vou-te Amar Para Além da Morte”, ou “Zombies Como Nós”, são canções que, ao basearem-se no cânone, evitam o naufrágio. Ou a morte sem remissão. 

Tozé Brito (de novo) ****

A música pop são canções que em três minutos levam o amor do céu ao inferno, com bilhete de volta. Este disco-homenagem da nova geração de cantores a um dos papas da música ligeira portuguesa assume por inteiro essa efemeridade da pop. A excepção acaba por ser a quase oração de Camané, reinterpretando Carlos do Carmo e o poema de Ary dos Santos para a banda sonora de uma série de televisão dos anos 1980. O resto é pop, com Benjamim e B Fachada a darem o tom, transformando a memória de uma separação numa festa colorida de praia. E há de tudo um pouco neste disco, como deve ser na pop: Tiago Bettencourt a trazer uma canção para o seu estilo, Zambujo a ser traído pela voz doce na tentativa de ser cantor rock, um coletivo que renuncia à invenção e simplesmente decide imitar os originais Gemini. 43 minutos, enfim, que atenuam, mas não resolvem, demasiados anos de distanciamento.

Camané - Horas Vazias *****

“Tenho Dois Corações”, o poema de Amália que há uns anos José Mário Branco musicou para Amélia Muge, é o tema mais curto deste disco. Dois minutos e meio de simbolismo, a fechar o arco entre o nome maior do fado e o músico que ajudou a definir o perfil daquele que se afirma, a cada disco, como o nome que pode igual o nome. A José Mário Branco sucede Pedro Moreira, mantendo-se uma produção, que sem perder a fidelidade ao cânone do fado, não se satisfaz com a repetição e reinventa, seja no território da guitarra/viola/baixo, seja, como é o caso, arriscando sonoridades mais amplas, com recurso ao saxofone, ao acordeão ou às cordas. Sete anos volvidos sobre o último disco de originais, com a homenagem a Marceneiro e o dueto com Laginha de permeio, Camané surge-nos em pleno, de voz seguríssima e com uma flexibilidade ainda mais surpreendente. O diálogo com o saxofone em “Às vezes há um silêncio” é disso apenas a maior evidência. O resto, parecendo natural como a respiração, é também pura inspiração.

Rodrigo Leão - A Estranha Beleza da Vida ****

Como num filme, outra vez. Os temas deste novo sucedem-se, em jeito de banda sonora de um filme que cada um de nós pode imaginar. Como noutros discos de maior fôlego de Rodrigo Leão. O ambiente onírico é agora ainda mais acentuado, devido à prevalência das encenações musicais que remetem para jogos de infância, em que pressentimos caixinhas de música, martelinhos e outras assombrações (“Sibila”, “A Valsa da Petra”. Trabalhos de pura nostalgia, sublinhados pela valsa e pelo acordeão. Como sempre, os temas cantados são entregues a grandes e pequenas estrelas internacionais, no caso, Kurt Wagner, Michelle Gurevich e Martírio. E também um cuidado especial na imagem, com a intervenção gráfica de Afonso Cruz e de Teresa Vilaverde. O disco encerra uma trilogia marcada pela pandemia (antes: O Método; durante: Avis 2020; após?: A Estranha Beleza da Vida), que o artista paradoxalmente classifica de Liberdade. O novo disco deverá marcar o regresso de Rodrigo Leão aos palcos.

Rita Redshoes - Lado Bom ****

Rita Redshoes quebra o silêncio de cinco anos com um disco integralmente em português e exclusivamente dedicado à sua recente experiência de maternidade. De certa forma, é quase como nascer outra vez. Sim, há aquela maneira de cantar, meio sussurrada, que já conhecemos há década e meia, e, sim, estão aqui alguns dos maneirismos de composição, e mesmo de orquestração, a que também estamos habituados. A grande novidade acaba por ser, por isso, o evidente prazer com que Rita descobre e trabalha as palavras em português, e mesmo como nelas tropeça, como quando tenta meter “temperamento”, onde de forma evidente o vocábulo não cabe (“Ego no Lugar”). Estão aqui canções que poderiam estar noutros discos da artista “Amor Intermitente”), mas a maioria são cantigas que poderíamos dizer de berço (“Canção Canora” ou “Canto da Sereia”, por exemplo), nas quais o tal sussurro de Rita assenta como se sempre a elas tivesse estado destinado. 

José - Primeiro Disco *****

A toada folk do primeiro tema (“Fugir”), a quase lembrar as canções roubadas à terra pelos cantautores dos nossos anos 1970, é enganadora. Este é um disco que explode em todas as direções, como uma palete de cores. Que pede dança, libertação. José (Reis Fontão) lança-se agora a solo, após duas décadas à frente da banda indie francesa Stuck in the Sound e revela um ecletismo deslumbrante, assente em composições informadas e numa produção de calibre profissional. “O Berço da Terra” e “Primavera” são outras duas canções que poderíamos inscrever na linhagem do cancioneiro lusitano. Mas depois há o pop funk de “José, José, José!”, ou de “Intentions”, a house de “Beyond Doubt”, “a electrónica de “Magic Escape”, ou o leve psicadelismo encantado de “Paraíso, e é como se o disco rodasse para fora de órbita. Em direção às pistas de dança, o seu interdito habitat natural. Pareceria pretensioso, não fosse tão bem feito.

Inês de Vasconcellos - Amplexo ****

“Amplexo”, o tema, é bem o resumo deste disco, uma carta de apresentação de uma nova fadista em procura de um fado novo. O assunto, as relações LGBT, já seria suficientemente dissonante do universo do fado, mas a ruptura é mais funda e envolve também uma melodia pouco canónica e um poema com fraseado e métrica angulosos, por vezes no limite da cantabilidade. Esse registo mantém-se um pouco por todo o disco, com, por exemplo, “Fado da Supresa”, a casar a canção castiça com momentos de algum tropicalismo jazzístico. A esse poema, de Maria do Rosário Pedreira, juntam-se mais três de Vasco Graça Moura e um de Fernando Pinto do Amaral (“Olhar”), o qual, aliás, ao adoptar o Fado Licas acaba por ocupar o lugar mais tradicional do CD. Uma aposta em poetas consagrados, que ajuda a situar a aventura e remete irremediavelmente para Amália, ídolo máximo. Produção muito cuidada do experiente Ricardo Cruz. 

Herbert Pagani - Megalopolis (1972) - Uma distopia esquecida

Maxime van der Love, presidente director-geral (PDG) dos Estados Unidos da Europa, no discurso da reeleição, anuncia o envio regular de lixo industrial para a Lua e o asfaltamento de todos os principais rios do Velho Continente, para dar resposta às necessidades de circulação automóvel. Enquanto o discurso vai sendo interrompido por spots publicitários da Mega Cola e da PDG (Pasta Dentífrica Governamental).

Na Europa, há muito que a Natureza cedeu ao betão, o trânsito e a produção de energia tornaram o ar irrespirável, pelo que só é possível sair à rua de máscara de gás. Para combater a solidão, tomam-se pílulas de companhia.

O disco Megalopolis (1972), de Herbert Pagani, é uma ópera-rock cantada em francês, que retoma parcialmente o livro Demain le Moyen Age, de Roberto Vacca. Uma distopia, prevista para o final do século XX, mas na qual tanto vamos reconhecendo muitas ideias e factos que entretanto se tornaram realidade, como outros tantos que pairam como ameaça. 

Herbert Pagani (1944-1988) é um judeu de origem líbia, que fez vida entre a França e a Itália, que se interessou pelas artes plásticas e videográficas, e que deixou uma curta discografia.

A obra chegou a ter uma versão teatral, encenada pelo autor, mas haveria de cair no esquecimento. Existem várias versões, em vinil digital, mas nenhuma com a duração inicial. Estão todas esgotadas, não constam das plataformas de streaming e a única hipótese viável é uma gravação quase completa que pode ser ouvida no Youtube. Uma pena, tratando-se de um disco de tão grande atualidade.